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lunes, 18 de agosto de 2014

Foo Fighters - Echoes, Silence, Patience & Grace [Música]

Llamadme raro. Decid que tengo mal gusto, que soy un inculto, que escucho lo que no debo y lo que debo no lo escucho. ¡Lo acepto! Digáis lo que digáis, es cierto. Me he dado cuenta recientemente al reflexionar sobre cuánto he ignorado a los míticos Foo Fighters durante toda la vida. Pero suele decirse que de sabios es rectificar, y eso he hecho; por eso me he puesto a escuchar este 'Echoes, Silence, Patience & Grace' y no he podido parar en todo lo que llevamos de semana. Pronto le echaré el guante al resto de su discografía (¡qué ganas!), pero por ahora toca opinar sobre este lanzamiento de 2007. ¡Manos a la obra!



Ficha Técnica:

- Título: 
Echoes, Silence, Patience & Grace
- Artista: Foo Fighters
- Género: Rock Alternativo
- Año de publicación: 2007
- Discográfica: RCA
- Duración: 51' 03" (12 pistas)
- País: E.E.U.U







La crítica

¡Es bastante difícil esto de escribir acerca de un álbum que probablemente todo el mundo conocerá, y del cual poco queda por decir! No creo que sirva de mucho intentar explicar qué podemos encontrarnos en las doce atronadoras pistas que nos ofrece 'Echoes...'. Por eso mismo, hoy pasaré de ese tipo de crítica e iré directamente a lo importante: mi opinión acerca de las susodichas; y lo que pienso es que, como ya he dicho antes, pasar toda mi vida desestimando la existencia de los Foos ha sido un grave error. ¡Cuanto tiempo perdido! 

La principal razón no es ni las guitarras, ni la voz, ni la composición, ni nada así. Es la energía inconmensurable que desprenden casi todos los temas. No estoy restando importancia al resto de elementos de su música, pero sí es cierto que lo que más me gusta de Foo Fighters es su actitud "in your face", como podría decirse. La culpa recae especialmente en las guitarras de Dave Grohl y Chris Shiflett y la voz de Dave, cazallosa, desgarrada, agresiva y aún así cargada de emoción, que complementan perfectamente a la demoledora sección rítmica formada por Nate Mendel a las cuatro cuerdas y Taylor Hawkins en la batería.


¡Dave Grohl! ¿Quién si no? Qué
hombre tan carismático.
Por esta razón, canciones como la archiconocida 'The Pretender' o 'Erase/Replace', mi favorita del álbum, se hacen difíciles de olvidar desde la primera escucha. Pero esta no es la única fórmula que Dave y los suyos han empleado en 'Echoes...', no. También hay lugar para la calma con temas preciosos como 'Statues' o 'Home', una emotiva balada que se encarga de cerrar el disco. Otros temas (entre los cuales me gustaría destacar 'But, Honestly'; ¡es simplemente genial!) se mueven entre ambos terrenos con una facilidad pasmosa, con especial cuidado en las transiciones. Por otro lado, 'Ballad of the Beaconsfield Miners' es una corta instrumental dedicada a los dos mineros que fueron atrapados durante un colapso en Beaconsfield, Australia, los cuales pidieron música de Foo Fighters mientras permanecieron bajo tierra. Cuenta con la aparición estelar de la guitarrista Kaki King, y es uno de los momentos más extraños y a la vez especiales del álbum.

En general, 'Echoes, Silence, Patience & Grace' es una delicia sin ningun defecto general. Músicos dedicados y apasionados haciendo lo que mejor saben hacer; eso es lo que nos ofrece, y a mí, concretamente, me ha encantado. ¡Escrito este muro de texto, me dispongo a echarle un vistazo al resto de su discografía, que me he quedado prendado! 

Y para muestra un botón:




Nota final: 4/5

viernes, 15 de agosto de 2014

No game, no life [Anime]

Uno de los motivos por los que decimos que una obra es original suele ser porque, aunque esté clasificada dentro de un género, rompe por completo el esquema típico que siguen la mayoría de obras que cumplen un seguido de características. A día de hoy, el shonen es visto por la mayoría como un género de peleas, combates y de más, donde los personajes se pasan todo el anime o manga dándose mamporros hasta que uno de los dos cae. 

Pues bien, el estudio Madhouse quiso adaptar una obra que, aunque esté dentro del género shonen debido a sus características, rompe por completo con el estilo típico del shonen. 


¿De qué va?

Los Blancos es un equipo de gamers que no ha perdido ni una sola vez en ningún juego, compuesto por los hermanos Sora y Shiro. Un día, alguien los reta al ajedrez y tras ser derrotado por los blancos, les propone ir a un mundo fantástico donde todo se decide a través de los juegos. Maravillados con la proposición, los Blancos acceden a ir a ese mundo.

La crítica

Seguramente 'No game no life' sea una de las apuestas más interesantes en lo que llevamos de año dentro del mundo de la animación japonesa gracias, en gran parte, a la originalidad que desprende su argumento, así como el universo en el que el anime se desarrolla.

La historia se centra en las aventuras que viven nuestros protagonistas, Sora y Shiro, a lo largo de la temporada. Como era de esperar, se pasarán los capítulos jugando a todo tipo de juegos: ajedrez, poker, blackjack, tic tac toe... Para así avanzar en su objetivo y conquistar el mundo con tal de poder jugar nuevamente con Tet, el Dios de dicho universo y responsable de que los Blancos estén dentro de este. Lo único que tienen que seguir son las diez normas de los juegos, para así poder asegurar un trato "justo" en cada partida.

Hablamos de originalidad porque en 'No game no life', además de resolver todo tipo de conflictos a través de juegos (algo poco común en un shonen), dichos juegos se presentan desde un punto de vista muy complejo, nada será dejado del azar puesto que como dice Sora: "la suerte no existe" y todo tendrá su explicación, el cómo se gana, el porqué y de más. Así que por mucho que los Blancos no pierdan, no hay ninguna treta sacada de la manga sin explicación para que ganen.

Y la cosa no acaba ahí, además de los juegos que todos conocemos, habrá algunos tradicionales, como el ajedrez o las palabras encadenadas, que sufrirán algunas transformaciones, siendo así juegos muchísimo más fantásticos e interesantes. Sumando que los Blancos usarán las diez normas a su favor con tal de poder ganar siempre.

Por ello, gracias a todo este conjunto, la historia avanza viento en popa y se hace realmente amena, el ritmo es fluido y el espectador se engancha al argumento. Se nos abrirá un mundo de fantasía donde existen dieciséis razas, todas ellas queriendo conquistar, a través de juegos, el planeta, y los Imanity (que vienen a ser los humanos), son los últimos dentro de esta clasificación.

Por otro lado, los personajes son fundamentales dentro de la historia, debido a que cada uno de ellos aporta su pequeño grano de arena. Empezando por los protagonistas, Sora es un chaval virgen de 18 años quien solo tiene a su hermana Shiro, una cría de trece años. Ambos forman el dúo de los Blancos y tienen una capacidad para los juegos asombrosa (aunque he de admitir que le he cogido algo de manía), nunca han perdido.

Los secundarios no se quedan atrás por eso, a medida que la historia avanza iremos conociendo a distintos personajes de distintas razas que ayudarán a Sora y Shiro a ganar. Por un lado tenemos a Stephanie Dora, una Imanity que es la nieta del anterior rey del reino de Elukia, el reino de los Imanity o Jibril, una fleugel (una especie de ángel que tiene poderes sobrenaturales). 

Lo más curioso de todo es que no hay un antagonista concreto ni ningún personaje que podamos tildar de "malo" debido a que no combaten, juegan y por ello siempre están divirtiéndose, haciendo que el anime tenga esa esencia de que calificaríamos de "buen rollo".

Si nos centramos en la parte más técnica del anime, su animación está dentro de la media. No duele a los ojos y de hecho es atractiva, los fondos y la fluidez en todos los juegos es realmente buena, pero los personajes no me dicen mucho, por ello considero que no destaca considerablemente pero tampoco es una basura. Sin embargo, la banda sonora es notable, nos mete de lleno en los "combates" que libran los protagonistas y le dan ese toque de emoción final, sumando una opening que gusta considerablemente.

Y si hemos de sacarle fallos... quizás deberíamos anotar la cantidad de topicazos que hay en la obra y que, personalmente, suelen molestarme cada vez más. Por ejemplo, el uso de personajes menores femeninos porque "son monos” o que el protagonista sea virgen a los dieciocho y esto de lugar a cantidad de escenas ecchi... son cosas que uno ya está algo cansado de ver. No es algo que haga que acabe por dejar de ver una serie, no estamos locos aún, pero caer en el uso de este tipo de elementos no acaba de convencerme.

Se podría decir que 'No game no life' es un anime que cuenta con un argumento muy original, siendo uno de los pocos shonen (sin contar los de deportes) en los que el resultado final no se resume en "a ver quien pega más fuerte" y eso, gusta.

Información de más
  • Además del anime, 'No game no life' cuenta con unos especiales de 6 capítulos más.
  • El manga empezó a publicarse en 2012 y aún está abierto.

Nota final: 8 

jueves, 14 de agosto de 2014

#Chef [Cine]

Tan de moda están los programas de cocina que hasta el cine ha acabado sucumbiendo a la tentación. Jon Favreau produce, escribe, protagoniza y dirige ‘#Chef’, un film que empieza entre los fogones de un restaurante de alta cocina y acaba en el interior de una camioneta de comida para llevar, sirviendo sandwichs cubanos, mucho más sencillos pero igual de sabrosos.



¿De qué va?

El chef Carl Casper (Jon Favreau) pierde su trabajo en un famoso restaurante de Los Ángeles al enfrentarse a su dueño (Dustin Hoffman) por culpa de la carta pero sobre todo después de haber perdido los papeles al recibir una mala crítica por parte de Ramsay Michel (Oliver Platt) un crítico culinario. Sin saber qué hacer, Casper acaba asociándose con su ex-mujer Inez (Sofía Vergara) montando un puesto de comida ambulante con el que dará un cambio radical a su manera de cocinar y vivir la vida.



La crítica

Jon Favreau parece haber querido recrear con ‘#Chef’ lo que ha vivido en sus propias carnes en los últimos años. Después de destacar como actor en el cine más indie con 'Swingers”'rápidamente fue adoptado por Hollywood.  Allí dirigió 'Elf' y 'Zathura', algo que le dio tablas para enfrentarse a 'Iron Man' y 'Iron Man 2', cuyo éxito le llevó a lo más alto… de donde cayó debido al estrepitoso fracaso de 'Cowboys & Aliens'.



Sin la presión de tener a sus espaldas un presupuesto megamultimillonario que obliga al triunfo en taquilla, si uno no quiere ver cómo empiezan a afilar los cuchillos en los despachos de Hollywood, Favreau ha realizado una comedia ligera, amable, simpática y fresca, que conviene ir a ver con el estómago lleno si uno no quiere salir con ganas de darse un atracón.

‘#Chef’ rebosa felicidad por los cuatro costados. Todos y cada uno de los personajes que aparecen en ella son felices. A pesar de las trabas que les ponga la vida, no hay ningún problema entre ellos. Se quieren, se adoran. Incluso entre ex-maridos y ex-mujeres todo va como la seda. Todos los problemas y conflictos que surgen durante la película parecen no tener la importancia que realmente tienen. Incluso cuando la ira del chef Casper contra el crítico culinario se hace viral a través de Twitter parece un problema menor.



El uso de las redes sociales toma gran protagonismo (el título de la película ya viene acompañado de la almohadilla, convirtiéndolo así en un hashtag) en el devenir de la historia, primero como canalizador del principal problema del chef Casper, un ataque de ira contra el crítico culinario que se vuelve viral en pocos minutos, y después como herramienta esencial para el resurgir de su carrera, gracias a las habilidades con el smartphone que demuestra su hijo de 10 años Percy (Emjay Anthony), que además de ayudar a su padre y a su socio Martin (John Leguizamo) en su nuevo trabajo con el camión de comida "El Jefe", también se convierte en el inesperado community manager de la empresa.



Favreau tiene pinta de ser un buen tío y no hay duda que la experiencia de dirigir las dos primeras películas de Iron Man le ha servido para conseguir que dos estrellas del nivel de Scarlett Johansson y Robert Downey Jr. aparezcan en la película, siendo particularmente divertida la breve escena de éste último, un actor que en los poco más de 5 minutos que aparece en pantalla vuelve a demostrar el enorme carisma que desprende.


‘#Chef’ es una película con pocas pretensiones que se disfruta en el momento y que se olvida rápidamente, pero que supone un alto en el camino en la carrera de Favreau dentro de la maquinaria hollywoodense. El éxito de la película ha hecho que el nombre del director vuelva a ser considerado para dirigir películas de gran presupuesto, aunque tal vez sería mucho mejor que se olvidase de blockbusters y continuase su carrera por los caminos que ‘#Chef’ ha abierto, olvidándose asi de ironmans, cowboys, aliens y demás proyectos mastodónticos.

Si tanta felicidad, positivismo y buen rollo puede ser un problema, esta no es vuestra película. Pero es que de vez en cuando va bien sentarse en una sala de cine, poner el piloto automático y disfrutar sin cuestionarse nada del guion ni de sus personajes.

Información de más
  • Jon Favreau cocinó sus platos tras entrenar con el chef especialista en camiones de comida, Roy Choi.
  • En la brevísima escena en la que padre e hijo van al cine, podemos deducir que están viendo una película de Iron Man, ya que los sonidos que oímos son los utilizados en dichas películas.
Nota final: 6

miércoles, 13 de agosto de 2014

Begin Again [Cine]

Si buscasemos en un diccionario cinematográfico (en caso de que existiese) la definición de "feel good movie" podríamos encontrar algo así: "dícese de la película que tras su visionado hace experimentar al espectador una sensación de bienestar máximo". La nueva película de John Carney cumple al 100% esta definición, además de mostrarnos Nueva York de cabo a rabo y presentar una lista de canciones a cada cual mejor. Si este verano queremos salir del cine pensando que la vida es menos complicada de lo que parece, no hay otra alternativa mejor que 'Begin Again'.


¿De qué va?

Gretta (Keira Knightley) y su novio Dave (Adam Levine) tienen un sueño en común: poder vivir gracias a la música. Cuando él consigue hacerse un hueco en la industria, se trasladan a Nueva York. Pero Gretta parece que no tiene cabida en la nueva vida de Dave y tras una infidelidad por su parte, la pareja rompe. La noche antes de coger un avión para regresar a Reino Unido, Gretta acaba interpretando a regañadientes una de sus canciones en un bar donde Dan (Mark Ruffalo), un productor musical venido a menos queda cautivado por su talento y le propone trabajar juntos. La descabellada idea de Dan es grabar un disco en las calles de Nueva York, creando un sonido especial, en una colaboración que se convertirá en la oportunidad que estaban esperando para reconducir sus vidas.




La crítica

John Carney sorprendió a todos en 2007 con 'Once', una película independiente en el que la música tenía una gran importancia en el devenir de la historia. El éxito monumental del film, con Oscar a la mejor canción, hizo que Hollywood se fijase en su director y rápidamente fue tentado por los grandes estudios. Su siguiente película ha sido 'Begin Again', también protagonizada por dos músicos y en el que cambia las calles de Dublín por las más glamurosas de Nueva York.

A principios de año llegaba a las carteleras 'A propósito de Llewyn Davis', donde un cantautor también debía buscarse la vida en las calles de una Nueva York invernal. El tono del film de los hermanos Coen era mucho más seco y austero. Incluso los colores empleados en la fotografía del mismo eran apagados, dándole a la película una atmósfera casi deprimente, en el que no había ningún personaje con el que poder empatizar ya que todos eran unos cretinos. 


Si pudiesemos coger 'A propósito de Llewyn Davis' y darle la vuelta como si fuese un calcetín, lo que nos encontraríamos sería 'Begin Again', un film que básicamente explica la misma historia pero de forma totalmente opuesta. Todo lo que en la película de los Coen es tristeza aquí se vuelve optimismo, gracias a unos personajes con los que es imposible no conectar, aunque en el fondo también sean unos cretinos. Esto se lo debemos principalmente a la labor de Keira Knightley y Mark Ruffalo, espléndidos en sus papeles, consiguiendo que en lugar de querer enviar a sus personajes al fondo del mar deseemos ir a tomarnos una copa con ellos (más de una en el caso de Mark Ruffalo) y poder pasar luego una noche recorriendo Nueva York escuchando canciones en nuestro iPod.


Y es esa escena, la del paseo nocturno por NY, acaba convirtiéndose en uno de los mejores momentos de la película, aquel que representa la totalidad del cambio de mentalidad en los personajes y el resurgir de sus propias almas. La "vuelta a la vida" de ambos personajes se canaliza a través de la grabación del álbum de Gretta. Sin dinero para producir el disco de manera más tradicional, Dan decide grabar todas y cada una de las canciones en las calles de Nueva York, otorgando así una personalidad única a cada canción y dándole al álbum hasta una cierta categoría mística. Dan no deja de ser una especie de gurú para Gretta, siendo incluso capaz de "ver y oír" la instrumentación perfecta que podría tener la canción que está interpretando sólo con su guitarra, en otra escena memorable del film.


Esta manera tan particular de trabajar, tan fuera de lo normal pero tan pura, hace que reflexionemos sobre el materialismo que impera en nuestra sociedad desde hace tiempo, al igual que hace Dave, el ex-novio de Gretta, un Adam Levine casi interpretándose a si mismo, al que su nueva vida de gran estrella no le permite evolucionar como artista volviendo a traicionar (o más bien dicho, decepcionar) a Gretta.


Hay quien pueda decir que Carney se ha vendido a la indústria, pero nada más lejos de la realidad. John Carney es, a parte de un director talentoso, un tío con principios y demuestra tenerlos bien puestos atreviéndose a morder la mano del que le da de comer ofreciéndonos un mensaje contundente contra esa propia indústria, en este caso la musical pero que bien puede substituirse por la cinematográfica, a la que Carney lanza unos cuantos dardos envenenados en su epílogo final.

Rizando el rizo diríamos que John Carney ha realizado una especie de remake encubierto de 'Once', con mucho más presupuesto, más glamour y con dos estrellas como Knightley y Ruffalo. O tal vez estaríamos ante la película que hubiese querido dirigir en su momento pero que por falta de presupuesto no pudo... Para nuestra suerte no fue así, y de esa manera podemos volver a disfrutar de su cine, sin atragantarnos con una historia dulcificada en exceso y lo más importante, que nos hace salir de la sala con una sonrisa de oreja a oreja.

Información de más

  • Después del éxito de "Once", se estrenó un documental, "The Swell Season", que comienza justo después de que la película ganase el Oscar a la mejor canción y que explica la ruptura artística y sentimental de sus dos protagonistas, Glen Hansard y Markéta Irglová. Ella no se acostumbra al éxito conseguido mientras que él lleva años ansiando ese triunfo.
  • Adam Levine, vocalista del grupo Maroon 5, hace su debut en cine en esta película.

Nota final: 8

martes, 12 de agosto de 2014

Inferno Cop [Anime]

¿Habéis oído hablar alguna vez de los ONAs? Como sus siglas indican: Original Net Anime, es un anime preparado para ser lanzado directamente a Internet. Pues bien, hace nada, buscando animes tildados de "hype", me encontré con esta aberrante serie de trece capítulos, los cuales no duran más de tres minutos cada capítulo y en esos tres minutos puede pasar ABSOLUTAMENTE de todo.


¿De qué va?

Cuando una mujer embarazada es atacada por unos matones de Southern Cross, Inferno Cop aparece para hacer justicia y salvar a la mujer en apuros. A partir de ese momento, acompañaremos a Inferno Cop en sus próximas aventuras.

La crítica

Que quede claro, cuando hablo de 'Inferno Cop', hablo de un anime en lo que todo, absolutamente todo, puede pasar. ¿Queréis dinosaurios con armaduras metalizadas? Los tendréis. ¿Queréis que Inferno Cop pueda transformarse en, por ejemplo, un coche? También lo tendréis, porque 'Inferno Cop' es la serie más destructiva, mentalmente hablando, que puedas echarte a la cara.

Y ese es su factor principal, que todo puede pasar. A partir de ahí, la obra se desenvuelve en un total de trece capítulos en los que Inferno Cop, nuestro protagonista, conocerá a personajes de lo más estrambóticos, viajará a mundos desconocidos, vivirá cambios extraordinarios en nuestro planeta y vivirá aventuras que nadie imaginaría.


No hará falta aclarar que 'Inferno Cop' es una serie que pretende parodiarlo todo en sus trece capítulos de durada, ¿no? Todo lo que ocurre es un verdadero desfase, nada tiene sentido en la serie, la única norma que sigue es el "porque si" que define a toda la serie por completo. Para que veáis hasta donde llega esto, hay un capítulo que comienza con un anuncio de youtube sobre la BSO de 'Inferno Cop'. ¿Por qué? Porque sí, no tiene más.

Siendo así que el humor de 'Inferno Cop' se basa en bromas absurdas y parodias de todo tipo, desde los géneros policiales, mafiosos, hasta los villanos rebuscados de algunas sagas de cualquier película, serie, videojuego... así como personajes de otras series como es el caso de Robin, el ayudante de Batman o April, la reportera y amiga de las Tortugas Ninja.

Pero... ¿quién es Inferno Cop? Pues un personaje al que Southern Cross asesinó su familia y decidió acabar con ellos. Pero como ya he dicho, puesto que todo puede pasar, ese no es más que el origen de nuestro personaje, luego nos olvidaremos de ello como si nunca hubiese existido.

Pese a ser un anime corto, no solo contamos con el personaje de Inferno Cop dentro del reparto, la cantidad de personajes que pueden llegar a aparecer en esta obra no es poca, desde los villanos que nuestro protagonista combate a medida que la serie avanza, hasta los aliados que se van presentando poco a poco. Tampoco os esperéis unos personajes profundos, recalco que es un anime que, desde el sinsentido, trata de hacernos pasar una media hora riendo.


En cuanto a la animación... Sigue las normas de su sinsentido absoluto, los personajes son simples figuras de posiciones fijas que se mueven como si jugásemos con muñecos y, a menos que se trate de un personaje especial, todos tienen la misma cara. En contraposición, su banda sonora hace que la ambientación, entre tanta absurdez, cobre algo de sentido, dándole un toque más épico.

Si somos realistas, por mucho que dure media hora, verlo del tirón hará que, a más de uno, le pueda entrar dolor de cabeza. Por eso, quizás los mejor es verlo en pequeñas dosis, puesto que verlo de dos tiradas (son diez minutos o un cuarto de hora cada una). Aunque yo me la vi de una tirada y aquí sigo.

Con lo cual, 'Inferno Cop' es algo difícil de definir, una serie que dura poco, que no se puede tomar, bajo ninguna circunstancia, como una serie "seria". Recomiendo a cualquiera que tenga media hora que le dé una oportunidad, porque realmente no tiene desperdicio.

Información de más
  • Fue lanzada en youtube desde el 25 de diciembre de 2012 hasta el 19 de marzo de 2013.
  • La encargada del anime fue Trigger.

Nota final: 7

jueves, 7 de agosto de 2014

Shingeki no Kyojin (Attack on Titan) [Anime]

Los que me conozcan sabrán que muchas veces hablo antes de saber... vamos, que en repetidas ocasiones soy lo que se denomina un bocazas. No obstante: rectificar es de sabios y aquí me hallo, haciendo el review de uno de los animes que está más de moda y que, injustamente, rechacé ver en primer momento por ese motivo, creí que se había inflado el valor de la historia como en otras ocasiones y decidí pasar de largo. 

Pues hoy me redimo y os voy a dar todos los motivos que pueda para que veáis este anime, que me ha tenido enganchado de principio a fin.

¿De qué va?

En un  futuro ficticio, la humanidad ha construido unos muros de cincuenta metros para protegerse de los titanes, monstruos de dimensiones colosales con apariencia "humana" que se alimentan de carne humana. Después de más de cien años en los que los humanos Vivian en armonía, un titán abre una brecha en el muro, dando paso a los titanes al interior del poblado. 

La crítica

Después de dar la cara y afrontar la realidad, ahora solo me queda elevar a uno de los animes que ha pasado, automáticamente, a formar parte de mis preferidos. ¿Y por qué? Porque pese a que 'Shingeki no Kyojin' sea un shonen, que por temática no llegamos a incluirlo dentro del grupo de los seinen, tiene muchos de los elementos que hacen que el espectador disfrute por completo.

Una vez sabemos de qué va la cosa, nos centramos en la historia de nuestro protagonista, Eren Jaëger, un joven que desea alistarse en la Legión de Reconocimiento y explorar el terreno que hay fuera de los muros, dando caza a los titanes. Después de lo ocurrido, Eren jura que matará acabará con todos los titanes y con la ayuda de su "hermana" Mikasa y su amigo de la infancia, Armin, se alistaran en el ejército para lograr su objetivo. 
En primera instancia que 'Shingeki no Kyojin' es una obra con un universo ficticio de lo más atractivo (para visionar, que no para vivir en él), que da mucho juego. Su creador, Hajime Isayama, nos ofrece un mundo donde todo está pensado hasta el último detalle: la muerte de los titanes, la vida dentro de los muros o la evolución de la sociedad para poder adaptarse a la situación en la que viven, creando diferentes legiones para poder sobrevivir o armas diseñadas especialmente para la ocasión.

Gracias al argumento y al universo que Isayama nos ofrece, el anime tiene muchas bazas a su favor para enganchar a cualquier y difícilmente podremos clasificarlo en un género concreto. Por un lado, la obra nos ofrece acción en abundancia, a la par que aventuras. Tendremos capítulos en los que todo serán combates contra los titanes, en los que la animación lo es todo y nos sumerge por completo en plena situación. 
 

De ahí a que la obra tenga una pincelada notoria de drama, puesto que no se andará con chiquitas en barrer y apartar a los personajes como si fuesen pura carroña para los titanes. De este modo, la serie se hace muy imprevisible, el espectador no va a apostar por ninguno de los personajes, porque en el siguiente capítulo podrían estar criando malvas. En esta ocasión no contamos con un personaje de esos que lo puede todo, nadie es intocable.

Y asimismo tenemos el extra de misterio que nos ofrece el hilo argumental, el as bajo la manga que provoca al espectador a hacerse todo tipo de cuestiones sobre la historia como por ejemplo qué son realmente los titanes o cómo acabará (si es que acabará) esta plaga de monstruos de grandes dimensiones. 
Debido a la gran variedad de facetas que tiene la serie, el ritmo de esta es de lo más fluido, siendo así que los 25 capítulos que componen la serie (24 si no contamos un "recap" que hay por ahí en medio escondido) se pueden ver en dos sentadas (para los que no se atrevan con una). El ritmo no decae y siempre tienen algo nuevo con que salir, sea el toque dramático de la muerte de X personaje o la aparición de algún otro que va a dar caza a algún titán. Así como los giros inesperados del argumento que nos dejan con cara de bobalicón una y otra vez.

Alguno podrá quejarse del uso de los flashbacks en ciertos momentos en los que ni nos viene ni nos va, especialmente al comienzo con la muerte de cierto personaje, pero es la única pega que creo que se pueda sacar al anime y dudo mucho que sea un motivo para no valorar como se merece esta obra.
En cuanto a personajes tenemos también gran variedad, desde los secundones que su único objetivo es morir de cualquier manera a manos de un titán, hasta cualquiera de los combatientes dentro de las diversas legiones. Una vez más y como suele pasar en toda historia de calidad, tendremos nuestro preferidos y nuestros odiados, personalmente no puedo evitar reconocer que soy un fan incondicional del Capitán Levi, los que lo hayáis visto ya sabréis porque.

Como ya he anotado, la parte técnica es otro de los grandes portentos de esta serie, desde la animación que hace uso de planos y secuencias, así como el uso, en algunas ocasiones, de lo que se denomina en el mundo del cine "falso documental",  que nos mete de lleno en las batallas de los distintos escuadrones contra los titanes. Sumando la parte musical, que acentúa con intesidad los momentos claves de la obra, además de esos dos temazos que tiene el anime como openings.

Por si aún no fuese poco, si a todo lo ya añadido sumamos ese hype que aparece lucha tras lucha, ese elemento que nos hace saltar de nuestro sillón o gritar en momentos clave, la obra ya nos convence por completo. Pocas veces he podido decir que me he volcado con un anime como con este.

Yo lo tengo claro: VED 'Shingeki no Kyojin', no seáis como yo y lo ignoréis por el éxito que haya tenido, porque es bien merecido. Esta obra tiene todo lo que podamos desear: buena animación, personajes interesantes, una historia que atrae y mucho hype, que no falte el hype.

Información de más
  • Actualmente el anime está en fase de pre-producción y se prevé que en 2015 haya una entrega de la segunda temporada.
  • Se ha comentado la posibilidad de un OVA explicando el pasado del capitán Levi.
  • A día de hoy, el manga en el que se basa el anime sigue en publicación.


Nota final: 10 

miércoles, 6 de agosto de 2014

Violens - Amoral [Música]

Lo diré de entrada: no tengo ni la más mínima idea de cómo escribir sobre Violens. Eso es algo que seguramente notaréis a lo largo de esta crítica. ¡Son geniales! Pero hacen esa clase de música de la cual no sabes exactamente cómo hablar. Es un sentimiento extraño y poco común, y parece que hayan pasado todo este 'Amoral' intentando sembrar este desconcierto adrede. Fuera ése o no su objetivo, lo han conseguido con creces ¡El resultado es, cuanto menos, sorprendente!


Ficha Técnica:

- Título: Amoral
- Artista: Violens
- Género: Pop/Post-Rock (¿psicodélico?)
- Año de publicación: 2010
- Discográfica: Friendly Fire Records
- Duración: 42' 40" (12 pistas)
- País: E.E.U.U








La crítica

'Amoral', como álbum, no es muy coherente. Es tremendamente heterogéneo, con influencias del Indie Rock, Pop sesentero/setentero, Rock psicodélico, electrónica... Un poquito de todo, y cada canción es un mundo. Pese a esto, todos los temas tienen ese toque opresivo y oscuro, esa reverberación en la voz del vocalista Jorge Elbrecht, ese sintetizador omnipresente... Se tocan muchos estilos en los 42 minutos que dura, todos vistos desde el particular punto de vista de estos retorcidos y geniales neoyorquinos.

Algunas de las canciones ('The Dawn of Your Happiness Is Rising', 'Until It's Unlit', 'Violent Sensation Descends') suenan como si unos Beatles modernos intentaran crear muros de sonido al estilo de Radiohead con aún más carga psicodélica. Otros, como 'Acid Reign' o 'Another Strike Restrained', suenan más caóticos y acelerados. 'Trance-Like Turn' sería algo así como el resultado de "cómo podríamos hacer algo que suene a canción de cuna y a Violens a la vez?", mientras que 'Full Collision' os llena el cuerpo de alegría. 


¿Ashton Kutcher? ¿Eres tú?
Y en esta sopa de estilos, ritmos, texturas y ambientes es imposible no perderse una vez te has metido. Es tan variado lo que ofrece, tan simple la estructura pero tan profunda la ambientación de cada tema, que no puede dejar indiferente. Si Violens gusta una vez, gustará las siguientes 100000 escuchas (porque las habrá); es un pequeño laberinto artístico del cual el tema final no es necesariamente la salida. No es un álbum perfecto, pero sencillamente no tiene un sólo punto flojo. Bueno, algunas canciones pueden hacerse algo repetitivas, pero eso es todo. Quizá esté siendo demasiado poco imparcial, pero intento escuchar este álbum de un modo objetivo y no consigo sacarle pegas mayores.

Violens consiguieron con su álbum debut 'Amoral' una deliciosa mezcla de estilos con su marca personal en cada nota y cada compás. Ellos marcan la diferencia entre creatividad (que les falta) y originalidad (que les sobra), y aquí demostraron cuánto tenían por ofrecer al mundillo del pop más underground y orgullosamente impopular. ¡Echadle un vistazo inmediatamente! Porque es una experiencia psicodélica y confusa, sí, pero también absorbente, hipnótica y maravillosa. ¡No os arrepentiréis!

Y para muestra un botón:




Nota final: 4'5/5

martes, 5 de agosto de 2014

Open Windows [Cine]

De alguna manera, ser espectador de cine es una manera de voyeurismo. Un voyeurismo consentido si se prefiere, pero voyeurismo al fin y al cabo. ‘Open Windows’, el nuevo film de Nacho Vigalondo, eleva esa sensación a cotas máximas a través de la mirada de Elijah Wood, al mismo tiempo que reflexiona sobre Internet y las nuevas tecnologías, transmutándose el director en una versión 2.0 de lo que podría surgir si mezclásemos a Hitchock con Brian De Palma.





¿De qué va?

Nick (Elijah Wood) ha ganado un concurso en el que el premio es conocer a Jill Goddard (Sasha Grey), la actriz del momento. Poco antes de salir del hotel en el que espera impaciente la hora de encontrarse con la actriz, recibe una llamada donde le comunican que Jill ha cancelado la cita. Para compensarlo, el misterioso interlocutor le ofrece a Nick la posibilidad de espiar a Jill durante la noche desde su portátil, haciéndolo partícipe de un macabro juego en el que sus vidas se pondrán en peligro.

La crítica

Tener más de 350.000 seguidores en Twitter, la mayoría de ellos fervientes seguidores, parecía que destinaba a 'Open Windows' a reventar la taquilla. Desde que se conocieron los primeros detalles de su rodaje, sus actores principales y su temática, Twitter no ha parado de engrandecer el hype, cosa que lamentablemente (sobre todo para los productores del film) no se ha traducido en un gran éxito en taquilla.


 Nacho Vigalondo ya sufrió con su anterior película, 'Extraterrestre', algo parecido. O para ser exactos, mucho peor, porque la expectación creada antes del estreno era tal que se preveía un éxito monumental, y lo único monumental fue el batacazo. En cierta manera, Vigalondo toma estos hechos y los introduce en la base de 'Open Windows'.

Pero la auténtica revolución que presenta la película es la forma en cómo nos cuentan lo que sucede, convirtiéndose la pantalla del cine en una gigantesca pantalla de ordenador donde van abriéndose paulatinamente las diferentes ventanas a través de las cuales espiamos la vida de Jill. Hoy en día estamos más que acostumbrados a navegar por Internet en varias webs al mismo tiempo por lo que seguir la gran cantidad de información que recibimos de cualquiera de las ventanas abiertas es relativamente sencillo.


Este planteamiento visual y un guión que, al igual que le ocurre al personaje de Elijah Wood, no da tiempo a respirar, hace que entremos rápidamente en el juego que nos plantea. Sin embargo, la película se toma ciertas licencias tecnológicas que acaban por romper el realismo (si es que podemos considerar real algo de los que nos explican) de la propuesta. Uno puede tragar con según qué acciones en pos del disfrute de la película, pero el límite de credibilidad tecnológica acaba superándose excesivamente y uno acaba por pensar que por ahí no pasa.

Hasta el momento, la parte más Hitchcockiana de Vigalondo (aderezada con algunos toques de Michael Powell y su 'Peeping Tom') es la que ha tomado el mando, la que ha puesto las bases a toda la película. Y llega el momento en que el Brian de Palma que habita en su interior decide tomar el mando, darle un vuelco a la historia, pasar a la acción… y estropearlo todo. Lo que hasta el momento había sido un thriller clásico disfrazado de thriller tecnológico pasa a convertirse también en una action movie de espías que lo único que consigue es desestabilizar al espectador y echar por tierra todo el trabajo logrado hasta el momento.


Open Windows’ tiene la voluntad de ser un producto exportable, de ahí su rodaje en inglés de cara al mercado anglosajón. Elijah Wood parece estar empeñado en especializarse en papeles similares, el del personaje atormentado al que le va tan bien su mirada asustadiza y su look de camisa-abrochada-hasta-el-último-botón. En cambio, la interpretación de Sasha Grey destila una apatía exasperante tal vez superada por las exigencias de un personaje que para una actriz más experimentada no requeriría un esfuerzo excesivo, pero que a una novata como Grey le viene demasiado grande.


Lo que sí confirma la nueva película de Nacho Vigalondo es que es un director arriesgado y con personalidad, capaz de tirarse de cabeza a un producto tan marciano como éste. Tal vez el resultado final no sea del todo satisfactorio pero a pesar de todo vale la pena intentar olvidar las trampas que nos propone la película para poder disfrutarla como se merece.

Información de más

  • La idea de 'Open Windows' nace de la conversa entre el director, Nacho Vigalondo y los productores del film, Enrique López Lavigne y Belén Atienza, que le propusieron que escribiese un thriller con la premisa de que internet tuviera mucha presencia en pantalla.
  • La post-producción se alargó casi un año debido a lo complejo que resultaba gestionar tantas señales simultáneas de vídeo.
Nota final: 5

lunes, 4 de agosto de 2014

El Amanecer del Planeta de los Simios [Cine]

Después del descalabro artístico que supuso el remake de "El Planeta de los Simios" por parte de Tim Burton (en  un film que no era tan malo como se dijo en su época) parecía una locura volver a intentar la jugada, pero hace tres años "El Origen del Planeta de los Simios" consiguió reiniciar la saga de una manera muy inteligente. El éxito de público y crítica hacía inevitable la llegada de una secuela, 'El Amanecer del Planeta de los Simios", que consigue superar en todos los aspectos a su predecesora.




¿De qué va?

Han pasado 10 años desde que un virus acabó prácticamente con toda la humanidad. Los simios, causantes de la epidemia, viven en los bosques a las afueras de San Francisco, donde han formado una sociedad perfectamente jerarquerizada, liderados por César (Andy Serkis). Viven en paz y lejos de los humanos. Cuando estos llegan a su territorio buscando activar una presa que vuelva a abastecerles de energía, ambos bandos se darán cuenta que deben ayudarse mutuamente o de lo contrario, se iniciará una guerra que puede que acabe con unos u otros.

La crítica

La película se abre con es el típico resumen informativo en el que en poco más de 1 minuto se nos informa que el mundo se ha ido al carajo. Acto seguido los simios toman el control, algo que parece adelantar lo que a la propia humanidad le espera, en una secuencia en la que durante aproximadamente los 10 minutos que dura, no se pronuncia ni una palabra. 

Esa va a ser la constante durante todo el metraje. Los verdaderos protagonistas son los simios y los humanos meras comparsas, incluso podríamos calificarlos como los villanos de la función. Los humanos están recibiendo su merecido por parte de la propia Naturaleza. Durante años han sido la raza dominante y han explotado al planeta hasta agotar sus recursos. Ahora, los supervivientes viven como pueden mientras los simios viven en paz y armonía bajo el mando del sábio César (Andy Serkis).



Pronto llega el inevitable día en que tanto simios como humanos descubren a la otra especie y empiezan los recelos y temores por ambas partes. No sabríamos decir quién teme más al otro, pero queda claro que en los dos bandos hay miembros más dispuestos a colaborar que otros. César y Malcolm (Jason Clarke) son los miembros tolerantes, mientras que Koba (Toby Kebell) y Dreyfuss (Gary Oldman) prefieren actuar más contundentemente contra la otra especie. 



Y llegados a este punto es cuando debemos dar las gracias. Gracias al equipo de FX del film por conseguir tal nivel de realismo, y gracias a los actores encargados de interpretar a los simios, encabezados por un enorme Andy Serkis, que consiguen hacer olvidar que estamos ante simios digitales. Sin ellos, la película corría el riesgo de caer en el mayor de los ridículos. Es en películas como estas cuando el uso del CGI está más que justificado.

Estamos ante una película brillante en el apartado técnico y que flojea en su guión, más sencillo y previsible de lo deseado, pero que por el contrario evita caer en la tentación de presentarnos las razones que tienen ambas especies por enfrentarse en una guerra de forma simple. 

César es presentado com un ser superior al resto. Los 10 años transcurridos le han dotado de más inteligencia si cabe y a pesar de los recelos de algunos de sus congéneres aún cree que vale la pena confiar en la raza humana.




A pesar de que estemos ante una secuela, podríamos considerar que es un nuevo renacimiento de la serie del Planeta de los Simios. Evidentemente, la anterior película es la base de todo lo que sucede, pero "El Amanecer del Planeta de los Simios" hasta parece querer distanciarse de su predecesora, de la que sólo toma el problema con el virus y la huída del grupo de simios a los bosques como referencia. La película se toma su tiempo para mostrarnos cómo han evolucionado ambas especies y en qué punto se encuentran, centrándose mucho más (porque realmente son mucho más interesantes) en los conflictos que se crean entre los simios.

Al mismo tiempo, la película se convierte en un alegato contra la guerra y las armas, en favor del diálogo antes que el conflicto, pero que como siempre suele suceder acaba estallando por culpa de los extremismos que representan el personaje de Dreyfuss por parte humana y de Koba por parte simia.



'El Amanecer del Planeta de los Simios' acaba siendo una película que cumple todas sus expectativas. No podemos olvidar que estamos ante un blockbuster veraniego y como es habitual en películas de este calibre, ofrece un estallido final que dejará contento al espectador que va en busca de entretenimiento puro y duro pero igualmente satisfecho quedará el que vaya a buscar algo más que pura pirotécnia. Y en ambos casos, lo que consigue la película es dejarnos con ganas de más.

Hay un dicho popular que dice "eres más peligroso que un mono con dos pistolas". Pues ahora ya podemos sustituir esta frase por una imagen mucho más terrorífca: un simio armado y montado a caballo. Algo que puede darnos una pista sobre lo que nos espera en la siguiente película de la saga.

Hay un dicho popular que dice "eres más peligroso que un mono con dos pistolas". Algunas escenas de 'El Amanecer del Planeta de los Simios' dejan ese dicho en un mero juego de niños. No hay imágen más terrorífica que la de un simio armado y montado a caballo. Algo que puede darnos una pista sobre lo que nos espera en la siguiente película de la saga.

Información de más
  • El hijo de César se llama "Ojos Azules", que es como el personaje de Cornelia llamaba a Charlton Heston en la película original.
  • Matt Reeves ya ha firmado para dirigir la tercera película de la saga.
  • Para complementar la película, la productora ha lanzado 3 cortometrajes y un trailer que sirven para explicar lo que ha pasado en los 10 años que pasan entre "El Origen del Planeta de los Simios" y "El Amanecer del Planeta de los Simios":
        El primer corto es "Quarentine" y ocurre después del primer film. En él nos encontramos con una madre que se pone en cuarentena en plena pandemia del virus que asola la Tierra: 

https://www.youtube.com/watch?v=ejrtt37XzOY

       El segundo corto, "All fall dawn", ocurre 5 años después y vemos cómo sobrevive una adolescente huérfana robando en las casas de las personas fallecidas a causa del virus:

https://www.youtube.com/watch?v=sxcTS7AUngs

           El tercer corto es "The Gun" y se sitúa justo en el mismo espacio temporal que "El Amanecer del Planeta de los Simios". Muestra cómo la violencia se ha apoderado de los humanos supervivientes al virus:

https://www.youtube.com/watch?v=IYCl7_bDbZs

            Por último, tenemos el trailer de un falso documental, "La isla de los monos", que narra el viaje de un equipo de científicos hasta Liberia, donde descubren un lugar habitado por chimpancés de laboratorio.

https://www.youtube.com/watch?v=elIf5D-uxCo 



Nota final: 9