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miércoles, 10 de septiembre de 2014

Initial D: First Stage [Anime]

Cuando uno cree haberlo visto todo en el mundo del anime siempre, como normal general, habrá algo nuevo a descubrir que cambiará totalmente esa manera de pensar. En el blog se ha visto anime bizarro de la calaña de 'Jojo's Bizarre Adventure' o 'Inferno Cop', y en el genero de deportes hemos analizado hasta un anime de ciclismo ('Yowamushi Pedal') y como veis, la cosa no termina aquí.

Con ese propósito hoy vengo a presentar un anime que tiene sus añitos (del 1998) y que nos trae la historia de Takumi, un prometedor corredor de carreras callejeras.


¿De qué va?

El padre de Takumi Fujiwara tiene un negocio de tofu y Takumi se encarga de los repartos en el monte Akina. Para ello, su padre hace uso de sus conocimientos de carreras callejeras en dicho monte para que su hijo aprenda a conducir de una manera formidable. Con tal talento, los equipos de carreras callejeras acaban fijandose en la destreza al volante que posee Takumi y empiezan a retarlo una vez tras otra.


La crítica

A bote pronto, y como ha pasado otras veces, uno no espera grandes cosas de un anime como este al leer  su argumento, puesto que la idea de ver coches de carreras en un anime a lo 'Need for Speed', no es que genere especial confianza y mucho menos viendo el tipo de animación que Gallop y Studio Comet nos ofrece. Pero una vez más, un anime que parece no tener mucho futuro, acaba por demostrarnos todo lo contrario.


El hilo argumental no es especialmente complejo: tenemos a un personaje (Takumi) que resulta ser un as de la conducción y, a lo largo de esta primera temporada, veremos como algunos de los clanes más importantes de la zona lo retan continuamente para medir sus habilidades contra nuestro protagonista. Lo curioso es que a pesar de que todos los contrincantes de Takumi corren con coches deportivos o especiales para algún tipo de carrera, Takumi siempre conduce con su carismático Hachi Roku.


Aunque también hay un poco de relleno típico para poder justificar algunos de los actos de los personajes que irán surgiendo, lo primordial serán las carreras, pero el como llegar a ellas y presentar los distintos obstáculos que Takumi deberá hacer frente están presentes, así que realmente no hay nada que esté sacado "porque sí".


Los personajes de la obra están llenos de topicazos, desde el protagonista desganado que moviendo el dedo meñique es capaz de ganar a las grandes estrellas alabadas por años, hasta Itsuki, el mejor amigo del protagonista, que su único papel es meter la pata constantemente y ser el pringado de turno, pasando por los villanos típicos de la obra: el chulo, el guapo, el chulo, el niño listo que cree poderlo todo, el chulo, etc.


De hecho, el único personaje que logra evolucionar a lo largo de la serie (y de buena manera) es el protagonista, quien al principio corre más que nada por pura obligación y acaba cogiéndole el gusto.


Tampoco podemos decir que la animación ayude especialmente a ganar puntos para que futuros espectadores quieran ponerse a ver la serie, puesto que el dibujo de los personajes es bastante irregular y deforme en algunos momentos. Y los efectos 3D para escenificar las carreras son bastante desatrosos... quizás innovador para le época, pero a día de hoy duele a los ojos por mucho que después nos acostumbremos.


Y justamente es esa la esencia general del anime: una simpleza total a nivel de argumento, personajes y animación. ¿Entonces como puede ser que el anime logre captar la atención del espectador? Sencillo, su ambientación. En 'Initial D' mueven todos los hilos necesarios para que las carreras sean emocionantes, gracias a la desgana de nuestro protagonista y el poco interés que pone en conducir por muy bueno que sea. En contraposición, sus contricantes se esfuerzan tanto como pueden e intentan tomar la delantera en todo momento, haciendo así que una carrera que por la animación tenga poco que ofrecernos nos envuelva y nos meta de lleno en circuito urbano.


Gracias a la ambientación que los personajes cogen forma y que, a medida que pasan los capítulos, la animación deja de ser tan molesta y queremos ver más. Los rivales de Takumi nos dan siempre un nuevo motivo para dudar de si el protagonista ganará, ya sea porque la carrera se disputa en plena lluvia o porque se pone una condición especial para conducir, Takumi tiene que hacer frente y ganar, la derrota no es una opción.

Hasta la parte técnica tiene su aporte en la ambientación, la banda sonora acentua acertadamente las escenas de mayor acción dentro de las carreras, siendo este el añadido final para que, poco a poco, nos enganchemos a la serie. Y pese a que las endings son horribles, las openings tienen su qué, así como algunos de los temas que aparecen a lo largo de la temporada.

No olvidemos que hablamos de una serie de carreras ilegales, una temática que desconozco si tiene más competencia, pero que desde luego es una idea interesante y original a abordar. Por ello, 'Initial D' tiene ese plus, nos enseña un poco más sobre este pequeño mundo y nos ofrece un seguido de carreras que nos gusta seguir.


Por todo ello, recomiendo encarecidamente el visionado de esta primera temporada, porque no dejará a nadie indiferente. Reconozco que sí, al principio deja mucho que desear por muchos de los personajes y, sobretodo, su animación. Pero al final te engancha de tal manera que cuando coges el volante en tu cabeza suena 'Wings of fire' y crees ser Takumi. Así que ya sabéis, si no queréis acabar en la cárcel, no veáis esta serie.


Información de más
  • Existen distintas secuelas del anime.
  • También está el manga de la serie con un total de 47 tomos. La serie finalizó en 2013.
Nota final: 7

martes, 9 de septiembre de 2014

Transformers: La Era de la Extinción [Cine]

La mayoría de gente que trabaja con Michael Bay dice de él que está un poco loco. Tal vez  esa sea la razón principal para entender que alguien sea capaz de ponerse al frente de una película en la que una frase de su guión sea "el robot gigante se sube a lomos de un tiranosaurios robótico y armado con una espada gigantesca empieza a luchar contra otros robots en plenas calles de Hong Kong". 

Pasen, señoras y señores, y sean bienvenidos al Circo de Hollywood. Bienvenidos a 'Transformers: La Era de la Extinción".


¿De qué va?

Después de la gran batalla de Chicago ('Transformers 3, El Lado Oscuro de la Luna') el gobierno de los USA está intentando comprender la tecnología de los Transformers para crear los suyos propios. Mientras tanto, Cade Yeager (Mark Whalberg) un mecánico e inventor que vive al borde de la ruina junto a su hija Tessa (Nicola Peltz), compra un viejo camión creyendo que es chatarra pero que en realidad es el legendario Optimus Prime, lo que hará que tanto él como su familia empiecen una aventura al lado de Prime y sus otros congéneres Autobots.



La crítica

Nadie como Michael Bay es capaz de rodar un plano con la bandera americana ondeando a cámara lenta mientras el sol se va poniendo en el horizonte y una melodía épica (compuesta por Steve Jablonski, su compositor fetiche) suena de fondo. Sólo alguien como Michael Bay puede pretender hacernos creer que Mark Whalberg es un mecánico-inventor algo desastroso, que vive en una típica granja con su hija adolescente. Sólo alguien como Michael Bay puede intentar colarnos que esa hija adolescente va impecablemente vestida, peinada y maquillada, mientras camina sobre unos tacones de vértigo, a pesar de vivir en pleno campo.



Detalles como estos (y un montaje de planos vertiginoso y/o mareante) son algunas de las cosas que definen el sello personal de Michael Bay. Un sello muy particular que encaja a las mil maravillas con el público norteamericano, ese mismo que aplaude a rabiar cada vez que una bandera americana ondea en pantalla, sea o no a cámara lenta, y suene o no una música épica de fondo.

La frase "cuanto más grande, mejor" bien podría ser el lema de cabecera del director. Después de rodar 3 películas con los Transformers como protagonistas parecía imposible resucitar la franquicia de alguna manera. Pero a Michael Bay le van los retos y además, es consciente de que cualquier locura que se le ocurra que puedan hacer sus personajes va a poder rodarlo gracias a los competentes miembros del departamento de efectos especiales.



Inteligentemente, ha prescindido de Shia LaBeouf como protagonista y le ha pasado el testigo a Mark Wahlberg, un actor con más carisma (y probablemente mucho menos problemático) y además ha conseguido que Stanley Tucci y Kelsey Grammer se pasen por el plató para decir unas cuantas frases trascendentes y corran delante y detrás de robots gigantes mientras a su alrededor todo explota y se destruye.



Para mostrarnos todo esto el señor Bay decide que necesita 165 minutos de metraje, que a la larga se convierte en el principal problema de la película. Porque esas casi 3 horas son a todas luces excesivas.

Cierto es que la película es un reinicio de la saga, con nuevos personajes y que de alguna manera tienen que ser presentados al público, pero el clasicismo de esos personajes (hombre-viudo-que-sobrevive-como-puede-en-su-granja-pensando-constantemente-en-su-esposa-fallecida-a-la-que-le-ha-prometido-que-cuidaría-de-su-hija-adolescente) y la poca profundidad y enjundia que tienen no hacían necesaria una introducción tan extensa.



Lo mismo podemos decir de los Autobots, que a medida que han ido protagonizando películas han aumentado su propio misticismo, volviendose unos auténticos cansinos. Optimus Prime, a pesar de ser el mejor personaje, acaba resultando cargante, con sus contínuas disertaciones acerca del bien y del mal, de la épica de sus ancestros y otras palabrerías que acaban por resultar reiterativas.

Y cuando ya parecía que era imposible rizar más el rizo, Michael Bay se saca de la manga un as y consigue elevar el nivel de la película que hasta el momento había sido mediocre. Un as que tiene acento chino ya que toda la parte final de la película transcurre en las calles de Hong Kong.

Podría pensarse que esto es debido a las ganas de rodar de Bay y su equipo en unos paisajes exóticos, con vistas a ofrecerle al público algo diferente. Pero la verdadera razón es mucho menos romántica. Gran parte del presupuesto de la película viene de China, un país en el que si un film triunfa puede considerarse un éxito de taquilla inmediato. Por eso los grandes estudios han decidido abrir sus puertas a los inversores asiáticos, y por eso vamos a empezar a ver a sus mayores estrellas en muchas de las superproducciones de Hollywood, gancho indispensable para que el público oriental acuda en masa a las salas.



Además de rodar en China para contentar al gran inversor de turno, Michael Bay convierte el último trozo de su película en un mastodóntico anuncio comercial, uproduct placement en toda regla, mostrándonos sin pudor alguno los logos de todas aquellas marcas comerciales que hayan puesto millones de dólares en sus manos. Pero si uno puede evitar no pensar en todo esto puede incluso llegar a disfrutar de la película, sobretodo de esos últimos momentos en territorio asiático en los que la destrucción es todavía más contundente.

Esa parece ser otra de las obsesiones de Bay, la destrucción masiva de cualquier casa, ciudad o civilización que se le ponga por delante. Claro, que siendo 'Transformers: La Era de la Extinción' una película protagonizada por robots gigantes que se dedican a luchar entre ellos, no era plan de ponerlos a jugar a las cartas.



Información de más
  • La idea es que 'Transformers: La Era de la Extinción' sea la primera de otra nueva trilogía de películas.
  • Se rumoreó que Dwayne 'The Rock' Johnson y Jason Statham fueron tanteados para protagonizar la película, siendo finalmente Mark Wahlberg el elegido.
  • De los 5 Autobots que aparecían en la primera película, Jazz, Ratchet, Ironhide, Bumblebee y Optimus Prime, sólo se mantienen a los dos últimos.

Nota final: 6

lunes, 8 de septiembre de 2014

Batman: la muerte de la familia [Cómic]

El nuevo universo que DC empezó ya hace unos años ha dado mucho material que prestigia a la compañía. Uno de los que mejor parado ha salido ha sido una de sus figuras más importantes: Batman. Su anterior saga, 'El tribunal de los búhos', nos dio a conocer más a fondo a la carismática pareja artística que forman Scott Snyder y Greg Capullo, pero parece ser que aún hay más y es ahora cuando el Joker entra en acción en este segundo arco argumental: 'La muerte de la familia'.



¿De qué va?

Después de ser despojado de su rostro a manos del Muñequero, el Joker desaparece del mapa para trazar un laborioso plan para acabar con Batman. Ahora, Batman y los suyos están en más peligro que nunca: el Joker ha vuelto y parece ser más mortífero y destructivo que antaño.

La crítica

Si bien Snyder y Capullo nos dieron una buena historia en los números 1 a 11 de la edición de esta colección de ECC Ediciones, ahora suben un peldaño la dificultad y nos brindan una historia con el villano preferido del mundo del justiciero de Gotham: el Joker.

En esta ocasión, el famoso payaso quiere terminar con toda la familia de Batman (refiriéndose a sus aliados en la lucha contra el crimen de Gotham) y asegura saber que conoce todas y cada una de las identidades sobre dicha familia. De esta manera le será mucho más sencillo acabar con él, puesto que sus puntos débiles son más.

Estamos frente a una historia de cinco números (del 12 al 16) que es rápida, efectiva y contundente, que se empieza a desarrollar en el comienzo de la saga del tribunal de los búhos, cuando estamos presentes de la "operación" a la que es sometido el Joker y de como, a lo largo de ese arco argumental, vemos la participación del equipo principal de Batman: Nightwing, Robin, Red Robin, Capucha Roja y Batgirl, lo que el Joker llama "su familia".

Como ya he dicho, la historia no se anda con chiquitas y va directa al grano, el Joker quiere que Batman sufra y vea que, con el paso de los años, se ha ganado puntos débiles y quiere erradicarlos. Esta vez no se andará con tonterías y le preparará un juego difícil de resolver, en el que contará con algunos de los villanos más carismáticos que amenzan a Gotham, como el Pin,güino Enigma o Dos Caras.

Snyder ha hecho, nuevamente, un gran trabajo con el guión de las historias de este resurgimiento del universo de DC Comics. El guión aborda la relación entre el Joker y Batman, el por qué Batman conoce tan bien a su enemigo número uno, repasando algunos de los casos más famosos entre esta peculiar pareja.

Por parte de Capullo, una vez más ha defendido con creces ese título que se ha ganado como dibujante principal de Batman en la actualidad. Principalmente el diseño de este nuevo Joker sin rostro es espectacular, los detalles de la piel extraída por el Muñequero y reinsertada con clavos de cualquier manera por el villano resalta aún más, por si fuera poca, la locura que desprende el Joker. Sin embargo, sigo pensando que a Capullo le falta mejorar más el dibujo de Bruce Wayne, ya que cada vez que sale no me resulta, para nada, ver a una persona adulta que tiene un crío.

Por un lado, la edición de estos comic books es genial y realmente tiene su precio bien merecido. Además de contener el argumento principal de 'La muerte de la familia', tiene historias que ocurren dentro de  ese margen de tiempo que involucran a otros personajes. Primeramente tenemos la visión de como el Joker va montando, poco a poco, todos los preparativos para la gran fiesta final contra Batman, hablando con los villanos que he comentado anteriormente para que se unan a su gran evento.

Pero la que creo que es mejor aún, es la historia de un villano que no conocíamos hasta ahora: el Pingüino Emperador, quién con la ausencia de el Pingüino en Gotham, sube peldaños dentro del crimen organizado. El personaje en cuestión es, para ser un secundón que solo vemos en esta pequeña historia, enorme. Su evolución, sus métodos y sus ideas son muy buenas y, personalmente, quiero ver más a menudo a este villano.

Una vez más queda patente que la inversión mensual de, como mucho, 4,5€ en esta colección que ECC nos trae cada mes está bien cubierta. Snyder y Capullo hacen los deberes y nos traen a un Batman que gusta. Esperemos que el siguiente arco sea igual de bueno o mejor que los dos anteriores.

Información de más
  • Para complementar la historia por completo, también se puede leer la parte correspondiente a esta saga de los mensuales de los otros personajes como Nightwing o Batgirl.
  • Snyder quiso meter al Joker en una historia del renacimiento de DC Comics desde que Tony S. Daniel metió al personaje por medio.
Edición
  • Edición USA: DC Comics
  • Edición España: ECC Ediciones
  • Formato: Comic-book, 56-64 págs. A color
  • Precio: entre 3,95€ - 4,5€

Nota final: 7

lunes, 18 de agosto de 2014

Foo Fighters - Echoes, Silence, Patience & Grace [Música]

Llamadme raro. Decid que tengo mal gusto, que soy un inculto, que escucho lo que no debo y lo que debo no lo escucho. ¡Lo acepto! Digáis lo que digáis, es cierto. Me he dado cuenta recientemente al reflexionar sobre cuánto he ignorado a los míticos Foo Fighters durante toda la vida. Pero suele decirse que de sabios es rectificar, y eso he hecho; por eso me he puesto a escuchar este 'Echoes, Silence, Patience & Grace' y no he podido parar en todo lo que llevamos de semana. Pronto le echaré el guante al resto de su discografía (¡qué ganas!), pero por ahora toca opinar sobre este lanzamiento de 2007. ¡Manos a la obra!



Ficha Técnica:

- Título: 
Echoes, Silence, Patience & Grace
- Artista: Foo Fighters
- Género: Rock Alternativo
- Año de publicación: 2007
- Discográfica: RCA
- Duración: 51' 03" (12 pistas)
- País: E.E.U.U







La crítica

¡Es bastante difícil esto de escribir acerca de un álbum que probablemente todo el mundo conocerá, y del cual poco queda por decir! No creo que sirva de mucho intentar explicar qué podemos encontrarnos en las doce atronadoras pistas que nos ofrece 'Echoes...'. Por eso mismo, hoy pasaré de ese tipo de crítica e iré directamente a lo importante: mi opinión acerca de las susodichas; y lo que pienso es que, como ya he dicho antes, pasar toda mi vida desestimando la existencia de los Foos ha sido un grave error. ¡Cuanto tiempo perdido! 

La principal razón no es ni las guitarras, ni la voz, ni la composición, ni nada así. Es la energía inconmensurable que desprenden casi todos los temas. No estoy restando importancia al resto de elementos de su música, pero sí es cierto que lo que más me gusta de Foo Fighters es su actitud "in your face", como podría decirse. La culpa recae especialmente en las guitarras de Dave Grohl y Chris Shiflett y la voz de Dave, cazallosa, desgarrada, agresiva y aún así cargada de emoción, que complementan perfectamente a la demoledora sección rítmica formada por Nate Mendel a las cuatro cuerdas y Taylor Hawkins en la batería.


¡Dave Grohl! ¿Quién si no? Qué
hombre tan carismático.
Por esta razón, canciones como la archiconocida 'The Pretender' o 'Erase/Replace', mi favorita del álbum, se hacen difíciles de olvidar desde la primera escucha. Pero esta no es la única fórmula que Dave y los suyos han empleado en 'Echoes...', no. También hay lugar para la calma con temas preciosos como 'Statues' o 'Home', una emotiva balada que se encarga de cerrar el disco. Otros temas (entre los cuales me gustaría destacar 'But, Honestly'; ¡es simplemente genial!) se mueven entre ambos terrenos con una facilidad pasmosa, con especial cuidado en las transiciones. Por otro lado, 'Ballad of the Beaconsfield Miners' es una corta instrumental dedicada a los dos mineros que fueron atrapados durante un colapso en Beaconsfield, Australia, los cuales pidieron música de Foo Fighters mientras permanecieron bajo tierra. Cuenta con la aparición estelar de la guitarrista Kaki King, y es uno de los momentos más extraños y a la vez especiales del álbum.

En general, 'Echoes, Silence, Patience & Grace' es una delicia sin ningun defecto general. Músicos dedicados y apasionados haciendo lo que mejor saben hacer; eso es lo que nos ofrece, y a mí, concretamente, me ha encantado. ¡Escrito este muro de texto, me dispongo a echarle un vistazo al resto de su discografía, que me he quedado prendado! 

Y para muestra un botón:




Nota final: 4/5

viernes, 15 de agosto de 2014

No game, no life [Anime]

Uno de los motivos por los que decimos que una obra es original suele ser porque, aunque esté clasificada dentro de un género, rompe por completo el esquema típico que siguen la mayoría de obras que cumplen un seguido de características. A día de hoy, el shonen es visto por la mayoría como un género de peleas, combates y de más, donde los personajes se pasan todo el anime o manga dándose mamporros hasta que uno de los dos cae. 

Pues bien, el estudio Madhouse quiso adaptar una obra que, aunque esté dentro del género shonen debido a sus características, rompe por completo con el estilo típico del shonen. 


¿De qué va?

Los Blancos es un equipo de gamers que no ha perdido ni una sola vez en ningún juego, compuesto por los hermanos Sora y Shiro. Un día, alguien los reta al ajedrez y tras ser derrotado por los blancos, les propone ir a un mundo fantástico donde todo se decide a través de los juegos. Maravillados con la proposición, los Blancos acceden a ir a ese mundo.

La crítica

Seguramente 'No game no life' sea una de las apuestas más interesantes en lo que llevamos de año dentro del mundo de la animación japonesa gracias, en gran parte, a la originalidad que desprende su argumento, así como el universo en el que el anime se desarrolla.

La historia se centra en las aventuras que viven nuestros protagonistas, Sora y Shiro, a lo largo de la temporada. Como era de esperar, se pasarán los capítulos jugando a todo tipo de juegos: ajedrez, poker, blackjack, tic tac toe... Para así avanzar en su objetivo y conquistar el mundo con tal de poder jugar nuevamente con Tet, el Dios de dicho universo y responsable de que los Blancos estén dentro de este. Lo único que tienen que seguir son las diez normas de los juegos, para así poder asegurar un trato "justo" en cada partida.

Hablamos de originalidad porque en 'No game no life', además de resolver todo tipo de conflictos a través de juegos (algo poco común en un shonen), dichos juegos se presentan desde un punto de vista muy complejo, nada será dejado del azar puesto que como dice Sora: "la suerte no existe" y todo tendrá su explicación, el cómo se gana, el porqué y de más. Así que por mucho que los Blancos no pierdan, no hay ninguna treta sacada de la manga sin explicación para que ganen.

Y la cosa no acaba ahí, además de los juegos que todos conocemos, habrá algunos tradicionales, como el ajedrez o las palabras encadenadas, que sufrirán algunas transformaciones, siendo así juegos muchísimo más fantásticos e interesantes. Sumando que los Blancos usarán las diez normas a su favor con tal de poder ganar siempre.

Por ello, gracias a todo este conjunto, la historia avanza viento en popa y se hace realmente amena, el ritmo es fluido y el espectador se engancha al argumento. Se nos abrirá un mundo de fantasía donde existen dieciséis razas, todas ellas queriendo conquistar, a través de juegos, el planeta, y los Imanity (que vienen a ser los humanos), son los últimos dentro de esta clasificación.

Por otro lado, los personajes son fundamentales dentro de la historia, debido a que cada uno de ellos aporta su pequeño grano de arena. Empezando por los protagonistas, Sora es un chaval virgen de 18 años quien solo tiene a su hermana Shiro, una cría de trece años. Ambos forman el dúo de los Blancos y tienen una capacidad para los juegos asombrosa (aunque he de admitir que le he cogido algo de manía), nunca han perdido.

Los secundarios no se quedan atrás por eso, a medida que la historia avanza iremos conociendo a distintos personajes de distintas razas que ayudarán a Sora y Shiro a ganar. Por un lado tenemos a Stephanie Dora, una Imanity que es la nieta del anterior rey del reino de Elukia, el reino de los Imanity o Jibril, una fleugel (una especie de ángel que tiene poderes sobrenaturales). 

Lo más curioso de todo es que no hay un antagonista concreto ni ningún personaje que podamos tildar de "malo" debido a que no combaten, juegan y por ello siempre están divirtiéndose, haciendo que el anime tenga esa esencia de que calificaríamos de "buen rollo".

Si nos centramos en la parte más técnica del anime, su animación está dentro de la media. No duele a los ojos y de hecho es atractiva, los fondos y la fluidez en todos los juegos es realmente buena, pero los personajes no me dicen mucho, por ello considero que no destaca considerablemente pero tampoco es una basura. Sin embargo, la banda sonora es notable, nos mete de lleno en los "combates" que libran los protagonistas y le dan ese toque de emoción final, sumando una opening que gusta considerablemente.

Y si hemos de sacarle fallos... quizás deberíamos anotar la cantidad de topicazos que hay en la obra y que, personalmente, suelen molestarme cada vez más. Por ejemplo, el uso de personajes menores femeninos porque "son monos” o que el protagonista sea virgen a los dieciocho y esto de lugar a cantidad de escenas ecchi... son cosas que uno ya está algo cansado de ver. No es algo que haga que acabe por dejar de ver una serie, no estamos locos aún, pero caer en el uso de este tipo de elementos no acaba de convencerme.

Se podría decir que 'No game no life' es un anime que cuenta con un argumento muy original, siendo uno de los pocos shonen (sin contar los de deportes) en los que el resultado final no se resume en "a ver quien pega más fuerte" y eso, gusta.

Información de más
  • Además del anime, 'No game no life' cuenta con unos especiales de 6 capítulos más.
  • El manga empezó a publicarse en 2012 y aún está abierto.

Nota final: 8 

jueves, 14 de agosto de 2014

#Chef [Cine]

Tan de moda están los programas de cocina que hasta el cine ha acabado sucumbiendo a la tentación. Jon Favreau produce, escribe, protagoniza y dirige ‘#Chef’, un film que empieza entre los fogones de un restaurante de alta cocina y acaba en el interior de una camioneta de comida para llevar, sirviendo sandwichs cubanos, mucho más sencillos pero igual de sabrosos.



¿De qué va?

El chef Carl Casper (Jon Favreau) pierde su trabajo en un famoso restaurante de Los Ángeles al enfrentarse a su dueño (Dustin Hoffman) por culpa de la carta pero sobre todo después de haber perdido los papeles al recibir una mala crítica por parte de Ramsay Michel (Oliver Platt) un crítico culinario. Sin saber qué hacer, Casper acaba asociándose con su ex-mujer Inez (Sofía Vergara) montando un puesto de comida ambulante con el que dará un cambio radical a su manera de cocinar y vivir la vida.



La crítica

Jon Favreau parece haber querido recrear con ‘#Chef’ lo que ha vivido en sus propias carnes en los últimos años. Después de destacar como actor en el cine más indie con 'Swingers”'rápidamente fue adoptado por Hollywood.  Allí dirigió 'Elf' y 'Zathura', algo que le dio tablas para enfrentarse a 'Iron Man' y 'Iron Man 2', cuyo éxito le llevó a lo más alto… de donde cayó debido al estrepitoso fracaso de 'Cowboys & Aliens'.



Sin la presión de tener a sus espaldas un presupuesto megamultimillonario que obliga al triunfo en taquilla, si uno no quiere ver cómo empiezan a afilar los cuchillos en los despachos de Hollywood, Favreau ha realizado una comedia ligera, amable, simpática y fresca, que conviene ir a ver con el estómago lleno si uno no quiere salir con ganas de darse un atracón.

‘#Chef’ rebosa felicidad por los cuatro costados. Todos y cada uno de los personajes que aparecen en ella son felices. A pesar de las trabas que les ponga la vida, no hay ningún problema entre ellos. Se quieren, se adoran. Incluso entre ex-maridos y ex-mujeres todo va como la seda. Todos los problemas y conflictos que surgen durante la película parecen no tener la importancia que realmente tienen. Incluso cuando la ira del chef Casper contra el crítico culinario se hace viral a través de Twitter parece un problema menor.



El uso de las redes sociales toma gran protagonismo (el título de la película ya viene acompañado de la almohadilla, convirtiéndolo así en un hashtag) en el devenir de la historia, primero como canalizador del principal problema del chef Casper, un ataque de ira contra el crítico culinario que se vuelve viral en pocos minutos, y después como herramienta esencial para el resurgir de su carrera, gracias a las habilidades con el smartphone que demuestra su hijo de 10 años Percy (Emjay Anthony), que además de ayudar a su padre y a su socio Martin (John Leguizamo) en su nuevo trabajo con el camión de comida "El Jefe", también se convierte en el inesperado community manager de la empresa.



Favreau tiene pinta de ser un buen tío y no hay duda que la experiencia de dirigir las dos primeras películas de Iron Man le ha servido para conseguir que dos estrellas del nivel de Scarlett Johansson y Robert Downey Jr. aparezcan en la película, siendo particularmente divertida la breve escena de éste último, un actor que en los poco más de 5 minutos que aparece en pantalla vuelve a demostrar el enorme carisma que desprende.


‘#Chef’ es una película con pocas pretensiones que se disfruta en el momento y que se olvida rápidamente, pero que supone un alto en el camino en la carrera de Favreau dentro de la maquinaria hollywoodense. El éxito de la película ha hecho que el nombre del director vuelva a ser considerado para dirigir películas de gran presupuesto, aunque tal vez sería mucho mejor que se olvidase de blockbusters y continuase su carrera por los caminos que ‘#Chef’ ha abierto, olvidándose asi de ironmans, cowboys, aliens y demás proyectos mastodónticos.

Si tanta felicidad, positivismo y buen rollo puede ser un problema, esta no es vuestra película. Pero es que de vez en cuando va bien sentarse en una sala de cine, poner el piloto automático y disfrutar sin cuestionarse nada del guion ni de sus personajes.

Información de más
  • Jon Favreau cocinó sus platos tras entrenar con el chef especialista en camiones de comida, Roy Choi.
  • En la brevísima escena en la que padre e hijo van al cine, podemos deducir que están viendo una película de Iron Man, ya que los sonidos que oímos son los utilizados en dichas películas.
Nota final: 6

miércoles, 13 de agosto de 2014

Begin Again [Cine]

Si buscasemos en un diccionario cinematográfico (en caso de que existiese) la definición de "feel good movie" podríamos encontrar algo así: "dícese de la película que tras su visionado hace experimentar al espectador una sensación de bienestar máximo". La nueva película de John Carney cumple al 100% esta definición, además de mostrarnos Nueva York de cabo a rabo y presentar una lista de canciones a cada cual mejor. Si este verano queremos salir del cine pensando que la vida es menos complicada de lo que parece, no hay otra alternativa mejor que 'Begin Again'.


¿De qué va?

Gretta (Keira Knightley) y su novio Dave (Adam Levine) tienen un sueño en común: poder vivir gracias a la música. Cuando él consigue hacerse un hueco en la industria, se trasladan a Nueva York. Pero Gretta parece que no tiene cabida en la nueva vida de Dave y tras una infidelidad por su parte, la pareja rompe. La noche antes de coger un avión para regresar a Reino Unido, Gretta acaba interpretando a regañadientes una de sus canciones en un bar donde Dan (Mark Ruffalo), un productor musical venido a menos queda cautivado por su talento y le propone trabajar juntos. La descabellada idea de Dan es grabar un disco en las calles de Nueva York, creando un sonido especial, en una colaboración que se convertirá en la oportunidad que estaban esperando para reconducir sus vidas.




La crítica

John Carney sorprendió a todos en 2007 con 'Once', una película independiente en el que la música tenía una gran importancia en el devenir de la historia. El éxito monumental del film, con Oscar a la mejor canción, hizo que Hollywood se fijase en su director y rápidamente fue tentado por los grandes estudios. Su siguiente película ha sido 'Begin Again', también protagonizada por dos músicos y en el que cambia las calles de Dublín por las más glamurosas de Nueva York.

A principios de año llegaba a las carteleras 'A propósito de Llewyn Davis', donde un cantautor también debía buscarse la vida en las calles de una Nueva York invernal. El tono del film de los hermanos Coen era mucho más seco y austero. Incluso los colores empleados en la fotografía del mismo eran apagados, dándole a la película una atmósfera casi deprimente, en el que no había ningún personaje con el que poder empatizar ya que todos eran unos cretinos. 


Si pudiesemos coger 'A propósito de Llewyn Davis' y darle la vuelta como si fuese un calcetín, lo que nos encontraríamos sería 'Begin Again', un film que básicamente explica la misma historia pero de forma totalmente opuesta. Todo lo que en la película de los Coen es tristeza aquí se vuelve optimismo, gracias a unos personajes con los que es imposible no conectar, aunque en el fondo también sean unos cretinos. Esto se lo debemos principalmente a la labor de Keira Knightley y Mark Ruffalo, espléndidos en sus papeles, consiguiendo que en lugar de querer enviar a sus personajes al fondo del mar deseemos ir a tomarnos una copa con ellos (más de una en el caso de Mark Ruffalo) y poder pasar luego una noche recorriendo Nueva York escuchando canciones en nuestro iPod.


Y es esa escena, la del paseo nocturno por NY, acaba convirtiéndose en uno de los mejores momentos de la película, aquel que representa la totalidad del cambio de mentalidad en los personajes y el resurgir de sus propias almas. La "vuelta a la vida" de ambos personajes se canaliza a través de la grabación del álbum de Gretta. Sin dinero para producir el disco de manera más tradicional, Dan decide grabar todas y cada una de las canciones en las calles de Nueva York, otorgando así una personalidad única a cada canción y dándole al álbum hasta una cierta categoría mística. Dan no deja de ser una especie de gurú para Gretta, siendo incluso capaz de "ver y oír" la instrumentación perfecta que podría tener la canción que está interpretando sólo con su guitarra, en otra escena memorable del film.


Esta manera tan particular de trabajar, tan fuera de lo normal pero tan pura, hace que reflexionemos sobre el materialismo que impera en nuestra sociedad desde hace tiempo, al igual que hace Dave, el ex-novio de Gretta, un Adam Levine casi interpretándose a si mismo, al que su nueva vida de gran estrella no le permite evolucionar como artista volviendo a traicionar (o más bien dicho, decepcionar) a Gretta.


Hay quien pueda decir que Carney se ha vendido a la indústria, pero nada más lejos de la realidad. John Carney es, a parte de un director talentoso, un tío con principios y demuestra tenerlos bien puestos atreviéndose a morder la mano del que le da de comer ofreciéndonos un mensaje contundente contra esa propia indústria, en este caso la musical pero que bien puede substituirse por la cinematográfica, a la que Carney lanza unos cuantos dardos envenenados en su epílogo final.

Rizando el rizo diríamos que John Carney ha realizado una especie de remake encubierto de 'Once', con mucho más presupuesto, más glamour y con dos estrellas como Knightley y Ruffalo. O tal vez estaríamos ante la película que hubiese querido dirigir en su momento pero que por falta de presupuesto no pudo... Para nuestra suerte no fue así, y de esa manera podemos volver a disfrutar de su cine, sin atragantarnos con una historia dulcificada en exceso y lo más importante, que nos hace salir de la sala con una sonrisa de oreja a oreja.

Información de más

  • Después del éxito de "Once", se estrenó un documental, "The Swell Season", que comienza justo después de que la película ganase el Oscar a la mejor canción y que explica la ruptura artística y sentimental de sus dos protagonistas, Glen Hansard y Markéta Irglová. Ella no se acostumbra al éxito conseguido mientras que él lleva años ansiando ese triunfo.
  • Adam Levine, vocalista del grupo Maroon 5, hace su debut en cine en esta película.

Nota final: 8

martes, 12 de agosto de 2014

Inferno Cop [Anime]

¿Habéis oído hablar alguna vez de los ONAs? Como sus siglas indican: Original Net Anime, es un anime preparado para ser lanzado directamente a Internet. Pues bien, hace nada, buscando animes tildados de "hype", me encontré con esta aberrante serie de trece capítulos, los cuales no duran más de tres minutos cada capítulo y en esos tres minutos puede pasar ABSOLUTAMENTE de todo.


¿De qué va?

Cuando una mujer embarazada es atacada por unos matones de Southern Cross, Inferno Cop aparece para hacer justicia y salvar a la mujer en apuros. A partir de ese momento, acompañaremos a Inferno Cop en sus próximas aventuras.

La crítica

Que quede claro, cuando hablo de 'Inferno Cop', hablo de un anime en lo que todo, absolutamente todo, puede pasar. ¿Queréis dinosaurios con armaduras metalizadas? Los tendréis. ¿Queréis que Inferno Cop pueda transformarse en, por ejemplo, un coche? También lo tendréis, porque 'Inferno Cop' es la serie más destructiva, mentalmente hablando, que puedas echarte a la cara.

Y ese es su factor principal, que todo puede pasar. A partir de ahí, la obra se desenvuelve en un total de trece capítulos en los que Inferno Cop, nuestro protagonista, conocerá a personajes de lo más estrambóticos, viajará a mundos desconocidos, vivirá cambios extraordinarios en nuestro planeta y vivirá aventuras que nadie imaginaría.


No hará falta aclarar que 'Inferno Cop' es una serie que pretende parodiarlo todo en sus trece capítulos de durada, ¿no? Todo lo que ocurre es un verdadero desfase, nada tiene sentido en la serie, la única norma que sigue es el "porque si" que define a toda la serie por completo. Para que veáis hasta donde llega esto, hay un capítulo que comienza con un anuncio de youtube sobre la BSO de 'Inferno Cop'. ¿Por qué? Porque sí, no tiene más.

Siendo así que el humor de 'Inferno Cop' se basa en bromas absurdas y parodias de todo tipo, desde los géneros policiales, mafiosos, hasta los villanos rebuscados de algunas sagas de cualquier película, serie, videojuego... así como personajes de otras series como es el caso de Robin, el ayudante de Batman o April, la reportera y amiga de las Tortugas Ninja.

Pero... ¿quién es Inferno Cop? Pues un personaje al que Southern Cross asesinó su familia y decidió acabar con ellos. Pero como ya he dicho, puesto que todo puede pasar, ese no es más que el origen de nuestro personaje, luego nos olvidaremos de ello como si nunca hubiese existido.

Pese a ser un anime corto, no solo contamos con el personaje de Inferno Cop dentro del reparto, la cantidad de personajes que pueden llegar a aparecer en esta obra no es poca, desde los villanos que nuestro protagonista combate a medida que la serie avanza, hasta los aliados que se van presentando poco a poco. Tampoco os esperéis unos personajes profundos, recalco que es un anime que, desde el sinsentido, trata de hacernos pasar una media hora riendo.


En cuanto a la animación... Sigue las normas de su sinsentido absoluto, los personajes son simples figuras de posiciones fijas que se mueven como si jugásemos con muñecos y, a menos que se trate de un personaje especial, todos tienen la misma cara. En contraposición, su banda sonora hace que la ambientación, entre tanta absurdez, cobre algo de sentido, dándole un toque más épico.

Si somos realistas, por mucho que dure media hora, verlo del tirón hará que, a más de uno, le pueda entrar dolor de cabeza. Por eso, quizás los mejor es verlo en pequeñas dosis, puesto que verlo de dos tiradas (son diez minutos o un cuarto de hora cada una). Aunque yo me la vi de una tirada y aquí sigo.

Con lo cual, 'Inferno Cop' es algo difícil de definir, una serie que dura poco, que no se puede tomar, bajo ninguna circunstancia, como una serie "seria". Recomiendo a cualquiera que tenga media hora que le dé una oportunidad, porque realmente no tiene desperdicio.

Información de más
  • Fue lanzada en youtube desde el 25 de diciembre de 2012 hasta el 19 de marzo de 2013.
  • La encargada del anime fue Trigger.

Nota final: 7