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26 de agosto de 2015

Another, ¿te fiarías de una chica con un parche en el ojo? [Anime]

Pocas veces (por no decir ninguna) habréis visto a una persona morir por culpa de un paraguas. ¿Os imagináis a alguien que va por la calle y... ¡ZASCA! Muere porque un paraguas se le atraviesa en la garganta? Ya os digo yo que no (aunque si alguien lo ha vivido, comentario abajo). Aunque penséis que me estoy volviendo loco, este pequeño... llamémoslo accidente, tiene lugar en el anime que voy a revisar hoy.


¿De qué va?

Sakakibara es un adolescente que está en su último año de secundaria, en el colegio Yomi North de Yomiyama, poblado al que se acaba de mudar. La cuestión es que el inicio de clases de Sakakibara es algo extraño, puesto que hay un rumor sobre cierta maldición con la clase 3 del 9º grado, maldición que hace que los alumnos vayan muriendo inesperadamente.

La crítica

Vuestra cara debe de ser un cuadro "¿qué se puede matar con un paraguas?" pues sí, pero eso no es algo realmente importante a la hora de ver este anime (aunque conozco gente que ha dejado de verlo por ese curioso "acto"), más que nada era para picar cierta curiosidad en vosotros.

'Another' es un anime curioso de ver puesto que, hasta la fecha, no había encontrado nada parecido. Se trata de una especie de thriller con un manto de terror psicológico que nos sumerge en un ambiente muy grotesco y oscuro donde la muerte es la protagonista de la historia.

La historia se ambienta en un pequeño poblado de Japón y sitúa a un recién llegado, Sakakibara, dentro de una historia algo curiosa. Hace 26 años, un alumno del colegio al que va Sakakibara, de su misma clase, murió repentinamente y, desde entonces, ha habido una especie de maldición que ha llevado consigo numerosas víctimas de alumnos de dicha clase.

Partiendo de esa base, el anime quiere centrar nuestra atención en el punto de vista de Sakakibara, un personaje interesado por el tema que desconoce en absoluto de que va todo y a quien la gente, por miedo, no quiere contarle nada. 


Gracias al ambiente bien generado por una mezcla de géneros idónea y un buen ritmo, el anime se deja ver en su gran mayoría puesto que el espectador no para de hacerse todo tipo de preguntas, algo poco común en un anime. Además de sumar ese plus de terror que envuelve toda la historia y que nos hace que pidamos más.

Lo curioso de esto es que el propio anime juega con las sensaciones del espectador haciéndole dudar de los personajes que aparezca, porque realmente nos sentimos como Sakakibara.  ¿Quién se creería las cosas que te cuenta alguien que desconoces si no tienen ni pies ni cabeza?


Argumentalmente hablando, 'Another' cumple y promete. Sí que es cierto que al comienzo, al no enterarnos de nada, podemos tener nuestras dudas (y admito que costó que me enganchase a la historia). Pero una vez superado ese pequeño escalón, el resto se escribe solo.

Otra cosa que dice mucho a su favor es que nada se queda sin explicar. A medida que la historia avanza hay alguna que otra cosa que no logramos entender o que no se nos explica, pero al final todo queda bien atado y esas son las cosas que luego hay que valorar.

Eso sí, no esperéis una historia 100% real, porque para empezar: las maldiciones no existen. Este anime tiene que verse bajo ese punto de vista, no podemos buscarle los tres pies al gato (o las cinco patas, como digo yo) porque no tiene sentido, la fantasía tiene que tener su pequeño papel para que todo cobre sentido.


No obstante, 'Another' no es el anime perfecto y peca de algunas cosillas, como lo pueden ser sus personajes. Es cierto que Misaki Mei, la chica del parche, tiene su aquél, pero tampoco creo que sea un personaje de esos que te encanta. Por otro lado, el protagonista es alguien vacío y sin aptitudes que se deja llevar dentro de un argumento sólido y los secundarios, no aportan mucho a su favor.

Por parte de la animación... bueno, se trata de un anime en el que su animación no hará que nos enganchemos a él, es totalmente ordinaria. Lo que si nos puede llamar la atención son las representaciones de los momentos más grotescos de la serie, con muertes de por medio o incluso el dibujo de muñecas de porcelana, que a veces nos bombardea con pequeñas imágenes sobre estas y eso sí que da algo de mal rollo.


Pero de todo lo malo que hay en el anime (que no es mucho, pero son cosas que se podrían haber mejorado cara a su emisión) es lo malas que son la opening y ending... No entiendo cómo se puede ser tan dejado... Es algo que no logro comprender. La opening tiene un pase, pero la ending parece una guasa, buscadla, buscadla.

A mi parecer, aunque tenga un difícil arranque, 'Another' es una de esas series que no encuentras cada día. La idea es original y se hace muy entretenida. Me queda la espinilla de que si hubiese personajes mejores la historia sería aún mejor, pero no podemos pedirle piñas al limonero... o peras al platanero, lo que sea. De todos modos os recomiendo encarecidamente su visionado (tan solo 12 capis, ¿qué más queréis?).

Información de más
  • Existe un live action (película con personas de carne y hueso) que se estrenó en 2012.
  • 'Another' es, originalmente, una novela que se publicó en 2009. Gracias a su posterior recepción se adaptó al manga y anime.
  • Existe un episodio 0, un OVA, en el que se explica algo más el personaje de Misaki Mei.
  • Corre el rumor que se iba a emitir la segunda temporada en octubre de 2014.
Nota final: 8 

17 de agosto de 2015

Las oscuras manos del olvido, ETA llega al mundo del cómic [Cómic]

¿Para qué están las barreras? Para derribarlas, siempre ha sido así. Justamente es eso lo que hicieron Cava y Seguí en 2014 al publicar la primera novela gráfica en el que ETA era protagonista. Pero... ¿está la historia a la altura? ¿estamos ante un cómic que es pionero y nada más? 

¿De qué va?

Toinou es un mafioso marsellés que acaba de salir de la cárcel después de estar encerrado 30 años con un único propósito: acabar su último encargo. Ahora Toinou deberá descubrir quien fue el asesino de su último cliente y eso le hará llegar hasta la mismísima ETA.

La crítica

'Las oscuras manos del olvido' se vende solo, miras la portada y dices: ¡MÍO! Encima se trata de un cómic nacional, producto de nuestro país y eso, por lo menos en mi caso, siempre pica al lector. Con lo cual la primera impresión ya es buena.

Lo segundo es lo que ya he comentado, los temas de ETA suelen ser algo mórbidos para el lector español, puesto que ha sido algo que ha ocurrido en nuestro país, es cercano y sabemos que, si o sí, habrá misterios de por medio. Por otro lado la historia (restandole algo de credibilidad) podría ser, tranquilamente, algo acontecido en algún momento histórico. ¿Quién es capaz de desmentir qué algo de lo que cuentan Cava y Seguí no ha ocurrido?

Y quizás ese es el fallo antes de ver o leer algo: tener las expectativas muy altas, porque nada lejos de la verdad, 'Las oscuras manos del olvido' acaba siendo un cómic desaprovechado.

Cava escribe un comienzo de un guión con tintes de film noir (cine negro) para enmarcar, nos presenta a un personaje interesante como lo es Toinou, alguien que no deja un trabajo a medias y qué, pese a ser un sicario, es el héroe del cómic. Partiendo de dicha base, Cava teje una tela de araña de misterio que incita al personaje a leer más, a hacerse preguntas constantemente sobre que pudo pasar y... nada.

Una de las cosas que menos me gustó tal vez fue abrir la rencilla de "quién estaba implicado y quién no dentro de los grandes cargos", algo que podría haber ido a más y que, sin embargo, se queda en una simple anotación en una viñeta.

El desenlace de la obra tira por tierra todo lo que previamente se había tenido tanto cuidado de desarrollar. Mi sensación al llegar hacía el final era la de: "aquí faltan páginas, no puede ser". La cosa cada vez se ponía mejor pero se precipitó indebidamente. 

No obstante, si dejamos de lado ese mal sabor de boca que nos deja al final el cómic... Podemos estar leyendo una obra notable, con personajes interesantes: desde policías corruptos hasta mafiosos franceses, hay de todo. 

Por otro lado, en lo personal el dibujo de Seguí no me conquistó como el de otros autores como Juanjo Guarnido ('Blacksad') y ello hace que sume más puntos en su contra. No es que sea un dibujo malo, ni mucho menos, pero tampoco es que sea de esos dibujos que quieras ver en tus tebeos normalmente. Eso sí, a la hora de retratar paisajes Seguí sabe lo que hace.

¿Recomiendo 'Las oscuras manos del olvido'? Tal vez, por ser el único cómic que trata el tema de ETA, pero su historia... Sencillamente podría haber sido mejor definida o llevada por otros caminos. Desde luego es una lectura adulta y que no puede leer cualquiera, se disfruta el comienzo y se espera más del final, aprobada con un suficiente.

Información de más

  • Cava y Seguí ya habían trabajado juntos antes en 'Las serpientes ciegas', con el que en 2009 ganaron el premio nacional de cómic, y en 'Hágase el caos'.
Edición
  • Edición España: Norma Editorial
  • Formato: Cartoné, 72 págs. A color
  • Precio: 18€

Nota final: 5

11 de agosto de 2015

Haikyuu!! El anime que no vería Edurne [Anime]

Hay cosas que tienen que pasar... porque mira, pasan. Es como cuando ves a Edurne en Eurovision y piensas: ¿es que soy el único que cree que va a hacer el ridículo? Y entonces, pasa. No fue como con Rosa, ella se lo curro pero... ¿por qué estoy hablando de Eurovision? ¡Ah sí! Que en esta vida todo puede pasar, y si Edurne fue a Eurovision a sabiendas de hacer el ridículo a lo bestia, puede existir un anime de voleiball y molar más que cualquier otro anime de deportes que te hayas echado a la cara. ¿No me creéis? Pues nada, seguid leyendo.

¿De qué va?

Shouyou Hinata es un apasionado del voleiball, simplemente le encanta. Pero no consigue encontrar su sitio dentro de su escuela de secundaria y ve frustrado su sueño de poder competir en equipo. Sin embargo, Hinata ingresará en la escuela superior de Karasuno con tal de seguir los pasos de su ídolo y llegar hasta lo más alto.

La crítica

A falta de pan, buenas son tortas y después de haber visto animes de todo tipo de deportes (de algunos muy chungos que, como no he tenido narices a acabarlos, aún están sin criticar), me he lanzado a la aventura, a esos anime que dice la gente que mola pero... ¿Quién miraría un anime de voleiball? Pues en serio, miradlo.

'Haikyuu!!' es, seguramente, el mejor anime de deportes que han sacado esta temporada e incluso, de los que actualmente están abiertos. Todo comienza con el sueño de un pobre aficionado de voleiball, Shouyou Hinata, quien ve frustrado su sueño de competir en un equipo de voleiball en la escuela inferior. No obstante, Hinata no se rinde y por ello buscará seguir los pasos de su ídolo, el pequeño gigante, en la escuela Karasuno.


Para empezar y solo para empezar, el planteamiento del anime es toda una novedad en cuanto a planteamiento. Vale sí, tiene sus rasgos tipicazos... Pero nunca habíamos visto un anime en el que el prota sea aficionado al deporte pero no consiga destacar por falta de medios (o al menos no me suena). Aunque sí, tiene potencial como todo protagonista.

El anime se centra precisamente en el equipo de Karasuno y en sus distintos componentes, por mucho que Hinata sea el protagonista, todos tienen su papel y, como ya pasaba en 'Yowamushi pedal', el trabajo en equipo es uno de los factores más importantes dentro del anime.

Por otro lado también tenemos al co-protagonista, Kageyama. En conjunto con Hinata, nos ofrecerán un tandem sin igual y, por si no fuese poco, un montón de risas.

Lo curioso es que el equipo, al comienzo de todo, no está formado. Han tenido alguna que otra baja con alguno de sus mejores jugadores, además de no contar con entrenador y que, como de costumbre en cualquier anime de deportes que se precie, los novatos son unos cracks.

Otra de las muchas características que diferencian a 'Haikyuu!!' del resto de anime de deportes es la capacidad de avanzar sin miedo. ¿Capítulos de relleno? ¡Y una porra! Aquí ya no existe eso. Si el partido es un coñazo no van a dedicar 40 capítulos en ello, que den gracias si dedican uno y obviamente, si el partido lo vale, van a dedicarle su tiempo pero siempre sin excederse.

Dejando de lado las excepciones de 'Haikyu!!' como anime de deportes diferente del resto, también posee las otras cualidades más generales dentro del género, como el humor típico, pero este es bueno, aquí te ríes de verdad, no como cuando pones "xd" en whatsapp, esto es humor real.


Otro de los requisitos más típicos de este gran subgénero es mantener la atención por el partido e involucrarte en él, querer más y saltar cuando el equipo protagonista anota un punto. Gracias a ir directos al grano en los partidos de menor emoción, consiguen ese efecto porque pueden explayarse en eso, no tienen la necesidad de llenar 15 de los 20 minutos que dura el capítulo de morralla y es por eso que este anime lo vale.

Con lo cual si buscáis un anime para lo que queda de verano aprovechad mi recomendación: 'Haikyuu!!'. Posee todo lo necesario para triunfar como anime y ser de los mejores dentro del subgénero. Además de tener una animación dentro de la media, que eso siempre viene bien si no queremos dejar la serie a los cinco minutos.

Información de más
  • En otoño estrenarán la segunda temporada.
  • Recientemente se estrenó la primera película del anime (el 3 de julio de 2015) y ya se espera una segunda entrega para el 18 de septiembre de 2015.

Nota final: 9

10 de agosto de 2015

Requisitos para ser una persona normal, cuando Maria de las Montañas encontró a Borja [Cine]

Con su ópera prima Leticia Dolera confirma que es una todoterreno. No se conforma con dirigir la película, sino que además firma el guión y lo protagoniza. Y hace las tres cosas muy bien.

Desconozco si la propia Dolera cumple con todos los requisitos para ser una persona normal (aunque imagino que si...). Lo que sí que demuestra con su película es tener todos los números para convertirse en una gran directora de cine.



¿De qué va?


Maria de las Montañas (Leticia Dolera) es una chica de 30 años a quien la vida no le sonríe: no tiene trabajo ni casa, apenas tiene relación con su família  y su vida romántica es inexistente. Después de llegar a la conclusión de que no cumple con ninguno de los requisitos para ser considerada 'normal', elabora una lista con esos requisitos y, ayudada por su amigo Borja (Manuel Burque) se propone hacer todo lo posible para cumplirlos.



La crítica

Hay que agradecerle a Leticia Dolera ese punto de insconsciencia que puede haberla llevado a aceptar escribir, interpretar y dirigir su primera película. Pero es evidente que haya o no inconsciencia por su parte, demuestra con creces tener las cosas muy claras, algo que uno percibe a medida que el largometraje avanza. Dolera ha conseguido crear un estilo muy particular y propio, que ha ido moldeando a base de cortometrajes y sobretodo con su estupenda webserie 'Bloguera en construcción', de alguna manera un banco de pruebas a lo que ha acabado siendo su primer largo y en la que ya demostraba su predilección por los personajes inadaptados.



Esos personajes, a pesar de ser los típicos de cualquier rom-com, están perfectamente representados en el film sin tener que recurrir a la caricatura. Empezando por los dos protagonistas Maria de las Montañas y Borja (que derrochan expresividad gracias a las interpretaciones de Dolera y Burque, dos actores que demuestran tener una química a prueba de bombas) y pasando por todos los secundarios, a cada cual mejor, destacando a un Miki Esparbé que tiene a su cargo el personaje con el que era más fácil caer en el tópico y al que consigue darle un punto simpático, pero sobretodo a Jordi Llodrà, auténtico robaescenas y que a la postre demuestra ser el personaje de la película que tiene más claro lo que es y lo que quiere ser.




Tenemos una dirección sólida, un guión que funciona con su perfecto equilibrio de tramas y subtramas y unos actores más que solventes. A todo esto le sumamos una estética cuidadísima y un trabajo de postproducción original que sirve para darle al resultado final una atmósfera especial, original y hasta cierto punto onírica, recordando en ciertos aspectos al empaque visual de las películas de Wes Anderson pero sin resultar tan cargantes. Y todo acompañado de la voz de Luthea Salom, compositora de la BSO y toque final para otorgar definitivamente la categoría de película indie.




Si algo podemos recriminarle a 'Requisitos para ser una persona normal' es que no apuesta por darle aires nuevos al género. Es una historia vista mil veces y que todos sabemos cómo acabará pero Leticia Dolera disfruta huyendo del cliche aburrido y tópico dándole un punto de vista mucho más fresco y pop, ofreciéndonos un mensaje a favor de la diferencia que cada uno pueda sentir en su interior.

Tal vez la mayoría de la gente desee esa normalidad que Maria de las Montañas busca con tanto ahínco pero francamente, yo prefiero no ser normal. 

Y hacer un 'horno holandés' de vez en cuando...


Información de más
  • En el pasado festival de Málaga, la película consiguió la Biznaga de Plata a la mejor fotografía, a cargo de Marc Gómez el Moral y la Biznaga de plata al mejor guionista novel para Leticia Dolera.
  • El personaje de Borja estaba pensado para que lo interpretase Borja Glez. Santaolalla (el 'Atún' de '[Rec]3'), aunque al final el elegido fue Manuel Burque, que tuve que engordar 15 kg. para el papel.

Nota final: 9

20 de julio de 2015

Mogambo, "¡Qué bien te lo montas, Clark Gable!" [Cine]

Hubo una época en que se decía que la MGM tenía más estrellas en plantilla de las que hay en el cielo. En el año 1953 juntaron a tres de las más grandes de la historia del cine para esta película, ‘Mogambo’, con desigual suerte para cada uno de ellos.



¿De qué va?


Victor Marswell (Clark Gable) tiene un negocio en África de captura de animales para circos, zoos, domadores. Además, hace de guía para científicos y turistas que quieren ver animales salvajes en su hábitat natural. Hasta su campamento llega una corista (Ava Gardner) y poco después un antropólogo y su mujer (Grace Kelly). La vida aventurera y los rudos modales de Mr. Marswell seducirán a las dos señoritas.

La crítica


Vale, vamos a lo obvio: Clark Gable estaba ya muy mayor para este papel. Pero quince años después, todavía estaba luchando para deshacerse del papel de Rhett Butler en 'Lo que el viento se llevó', así que luchaba para ganarse la imagen de buen actor que nunca tuvo (y que tampoco merecía especialmente, digámoslo todo...).


Pero a pesar de Gable, la película nos cuenta una historia de manera firme, sin ambages, con un telón de fondo impresionante y quizá un poco brusca. El director John Ford era así, poco amante de las florituras y las cosas finas. Le gustaba la pasión, la rudeza, los golpes frontales... en consecuencia, sus películas también tenían esa expresión de cine curtido en mil batallas. En realidad, a este film le van esos modales bruscos que ni pintados.

Si nos fijamos en el reparto Gable, a pesar de pintar bastantes canas, da suficientemente el pego en su papel de aventurero y lobo solitario. Incluso permitió que el guión se riera de él en un par de ocasiones, cuando se hace referencia a sus orejas de soplillo o a sus rodillas. Pero en alguna ocasión parece más torpe que duro, como si él, el “Rey de Hollywood” se viera incapaz de tratar a las mujeres de la película como le exigía el guión, acostumbrado como estaba a las sutilezas del cine que le hizo triunfar, unos veinte años atrás.


Por otro lado, Ava Gardner tiene el papel más desagradecido pues su personaje no para de recibir por aquí y por allí y ella, que es una mujer bregada en el mundo del vodevil neoyorquino, se ve de pronto actuando como una adolescente por culpa de los amores de Gable. Sin embargo hacia el final del metraje su personaje sufre un cambio después de confesarse con el padre Josef, escena que no se explica a posteriori y que nos deja con la duda de lo que le habrá dicho. Pero Ava, de quien se dijo que era “el animal más bello del mundo” rescata bien ese personaje, que empieza bien pero que sufre un bache interpretativo importante, dándole vida y haciendo de la chica de clase baja una deslenguada, hiriente y peligrosa mujer que no dice nada porque sí, sino que todo está muy calculado. Lástima del histrionismo en las escenas en que llora, más propio del cine mudo que del de entrados los 50’.


Y Grace Kelly... permitidme que no le vea nada malo, es una debilidad personal. Su personaje es más complejo que el de Ava Gardner: ella llega al campamento en medio de África con su marido, un científico remilgado de Brighton, con quien lleva siete años de matrimonio “feliz” y cae irremediablemente prendada por un hombre tan diferente, a pesar de los veintimuchos años de diferencia. Pero Kelly es una de las actrices más expresivas de la historia del cine con la mirada y, en esta película, donde permitió aparecer sin maquillaje para dar realismo al film, se luce como nadie a base de miradas furtivas, palabras no dichas y mohines. Eso sí, ella continúa apareciendo como un ángel caído del cielo, aunque las malas lenguas digan que no hubo película en la que no se liara con compañeros de reparto.


El resto de secundarios (Donald Sinden, Philip Stainton y Eric Pohlmann) cumplen con su trabajo, complementando bastante bien al trío protagonista, sin llegar a hacerles sombra en ningún momento pero haciendo lo que tenían que hacer.

De hecho, hay una buena lucha escénica entre las dos actrices. Ava Gardner, morena, que se la ve venir de lejos y uno ya se pone en guardia, con unos vestidos que presuponen un busto amenazador y una lengua más larga que la muralla china. Grace Kelly, en cambio, de aspecto angelical, modosita, vestida como una señora de alta sociedad y comedida en sus palabras. Son el ying y el yang. La primera estaba casada entonces con Frank Sinatra, el mayor crápula de Hollywood y la otra se casaría poco después con el príncipe de Mónaco; las diferencias eran evidentes. Eso sí, las dos se tiran a los brazos de Gable como si no hubiera un mañana.

En cuanto a la banda sonora, se habló y alabó mucho la "música" de  ‘Birdman’, pero no fue precisamente pionera en este sentido. En ‘Mogambo’ ya no hay una banda sonora al uso, solamente la percusión de algunos instrumentos africanos acompañan a los diálogos. De manera acertadísima, una cadencia de tamtams u otra le dan el aire que necesita en escenas de transición o en las imágenes documentales con las fieras de la sabana. John Ford contó con la colaboración de varias tribus nativas como los wagenia, los samburu y los M’Beti que aportan un realismo impresionante y sólo por eso ya vale la pena verla. Ford dijo de esta película que “me gustaron el argumento, el guión y el problema, y como nunca había estado en esa parte de África, fui y la hice”. Se ve que a esas alturas de la vida, Ford solo grababa lo que quería y si eso le permitía visitar lugares donde poder ir de caza.


En general, es una película entretenida, con punch, con diálogos vivos, con un marco envidiable ahora que viene la época de vacaciones y viajes y con sentido del humor, aunque le falle, a mi modo de ver personal, el final, que es tirando a simplón y poco comprensible. El visionado es ameno a pesar de las casi dos horas de duración, poco frecuente en la época. Y eso lo supo apreciar el público, que la convirtió en un gran éxito de taquilla desde el inicio, a pesar de que en pocos años se habían estrenado muchas películas de ambientación similar: ‘Las minas del rey Salomón’ (1950), ‘Las nieves del Kilimanjaro’ (1952), ‘La reina de África’ o ‘Buitres en la selva’ (1951), ‘Cuando ruge la marabunta’ o ‘La senda de los elefantes’ (1954) y, cómo curiosidad, ‘Bwana, diablo de la selva’ (1952), que fue la primera película rodada en tres dimensiones. África estaba de moda.

Información de más

  • Mogambo es el remake de ‘Tierra de pasión’ (Victor Fleming, 1932) ambientada en Indochina y protagonizada por... Clark Gable!
  • Clark Gable, que con esta película quería ganar un Oscar, vio como Ava Gardner fue nominada a mejor actriz (ganó Audrey Hepburn por ‘Vacaciones en Roma’) y Grace Kelly a mejor actriz secundaria (ganó Donna Reed por ‘De aquí a la eternidad’) sin que él recibiera ningún premio ni mención especial.
  • La escena del beso entre Gable y Kelly en la cascada, fue utilizada por Vincente Minelli en ‘El noviazgo del padre de Eddie’, cuando Glenn Ford se debate entre el amor de tres (¡tres!) mujeres, la escena aparece en la televisión.
  • El rodaje fue muy accidentado, incluso murieron el asistente de director y dos personas más en un accidente de jeep.
  • Mogambo significa “pasión” en lengua suajili. 
Nota final: 7

13 de julio de 2015

Fate/Zero: el anime perfecto [Anime]

¿Alguien me puede explicar como se hace una crítica de algo TREMENDAMENTE increíble?  En serio, no sé si todo lo que quiero comentar sobre 'Fate/Zero' me va a caber en una única crítica, es como aquello de escoger entre papá y mamá... bueno, en realidad no tiene nada que ver, así que mejor empiezo a escribir y me dejo de tonterías.

¿De qué va?

La guerra del Santo Grial es una batalla a muerte entre siete magos. El Santo Grial es el encargado de escoger a los siete magos para formar parte de esta guerra. Cada mago deberá invocar a su servant, un famoso héroe caído y aquél que se encargue de luchar por su mago con tal de asegurar la victoria de la guerra y así poder formular un deseo.

La crítica

¿Qué lío eh? Explicar de que va 'Fate/Zero' es muy difícil puesto que su argumento es bastante especial, hay varías cartas sobre la mesa y cada una toma especial importancia en este juego y, justamente por ello, explicar de que trata no es cosa de críos. Pero bueno, que si queréis que os diga la verdad en dos palabras, yo lo hago sin problemas: PUTA OBRA MAESTRA.

¿Qué quieres un anime con personajes bien definido? 'Fate/Zero' lo tiene. ¿Qué además buscas un argumento sólido y profundo? Si, también lo tiene. ¿Con una animación aplastante y una música genial? ¿¡ES QUE AÚN NO HA QUEDADO CLARO!? Pero bueno, empecemos por el principio.

'Fate/Zero' se compone de dos temporadas: una primera en la que nos enseñan lo que hay y una segunda que van con todo. Algo así como enseñarnos un caramelo y luego devorarlo por completo como si no hubiese mañana. La primera presentará toda la trama argumental y la otra nos hará fliparlo en colores.

No puedo quedarme con un solo elemento que define a la obra, porque la magia está plagada en todos ellos. Por un lado está el genial argumento que desarrolla una guerra fantástica entre personajes reales o mitológicos (Alejandro Magno, El Rey Arturo, Gigalmesh...) y sus respectivos magos. Con lo cual, de buenas a primeras, tenemos una historia fantástica ambientada en el siglo actual.

Como no podía ser de otra manera, 'Fate/Zero' es justamente un anime de acción que no defrauda. ¿Por qué? Porque sus escenas de acción son para enmarcarlas todas. Cada una de estas cuenta con gran variedad de jugadas, artefactos y triquiñuelas que usarán los personajes para proclamarse vencedor.

Dichas escenas van acompañadas de un portento técnico impresionante, tanto a nivel visual como a nivel auditivo. Ufotable (productora del anime) ha hecho un trabajo espectacular cuidando minuciosamente todos y cada uno de los elementos artísticos: los personajes están bien definidos, la animación es más que fluida y la música arremete con fuerza para ambientar al espectador. En mi opinión el trabajo técnico de 'Fate/Zero' está en lo más alto del mercado actual.

Pero como ya he dicho, la cosa no se queda ahí. Si nos gusta el argumento y la parte técnica, lo mejor son sus personajes porque no son pocos y todos están definidos a la perfección. 

Por un lado tenemos a los magos, aquellos que llevan a sus servants hasta la victoria. Su papel es importantísimo, puesto que si un mago muere, la partida para él acaba. Por otro lado están los servants, los que hacen el trabajo sucio para combatir por sus masters y lograr alcanzar el ansiado Santo Grial.

Tanto servants como masters tienen un deseo a cumplir al alcanzar el Santo Grial y eso es lo que los define como personajes. Los hay de todo tipo, gentiles, honestos, vacíos, ambiciosos, amables... Y sobretodo, te quedarás con más de uno como preferido, es prácticamente imposible escoger a uno.

Y pincelando a grandes rasgos lo que es el anime, creo que he acabado. Para poder hacer una crítica más elaborada necesitaría entrar al detalle y spoilear, así que de momento os recomiendo este anime POR ENCIMA DEL RESTO. En serio, merece una seria visualización.

Información de más
  • Aunque todos los capítulos duran 24 minutos, el primero dura 48 con tal de introducir correctamente la serie.
  • Existe una secuela: 'Fate/Stay Night' que además ha sido "revisada" nuevamente bajo el nombre de 'Fate/Stay Nigt: Unlimited Bladeworks'.

Nota final: 10

30 de junio de 2015

Los hermanos Marx en el Oeste, aunque mejor si no hubieran ido... [Cine]

Si nos ponemos a hablar de comedia en el mundo del cine clásico, en un momento nos vendrán tres o cuatro nombres imprescindibles: Chaplin, Buster Keaton, Laurel y Hardy y, por supuesto, los hermanos Marx. Estos últimos nos dejaron muy buenas películas, aunque también algún batacazo destacable, como el film que los llevó al oeste.

¿De qué va?

Los hermanos Panello (Chico y Harpo) se unen a Quentin Quale (Groucho), para ayudar a una pareja del oeste a que su amor sea posible. Es todo una historia un pelín rara y rebuscada: terrenos yermos por donde pasará el tren, buscadores de oro, indios, salones, pistoleros... Todos los ingredientes típicos de un western, aunque éste pase por el filtro de los Marx.

La crítica


Sabe mal, muy mal. Cada uno tiene sus referentes en la vida, sus referentes en el humor y sus referentes en el cine; en algunas ocasiones, sucede que los referentes de estos tres campos coinciden en una persona, como sería el caso de Groucho Marx. Por eso, revisitar esta película con ganas de reír un rato y llegar a sentir cierta vergüenza ajena le deja a uno el ánimo por los suelos.

Es cierto que la película arranca muy bien, con uno de los mejores gags de todo el metraje (que nos recuerda al del tutti-frutti de 'Un día en las carreras'). La cosa va con los tres protagonistas y un billete de 10 dólares mágico que siempre termina en el bolsillo de Harpo, pero a partir de ahí, con contadas excepciones, todo el humor decae y uno espera que pasen rápido los setenta y siete minutos de peli.


Y es que lo hermanos Marx siempre habían tenido un método de trabajo muy concreto, que les había permitido realizar algunos de los mejores films humorísticos de la historia como ‘Un día en las carreras’ o ‘Una noche en la ópera’, pero en este caso rompieron su rutina y eso fue su perdición, así como el inicio de su final como uno de los grupos más divertidos de la historia del cine, ya que esta fue su penúltima película.

Habitualmente, bajo la tutela del todopoderoso Irving G. Thalberg, realizaban una gira por todo el país con el guión que querían rodar en forma de vodevil. Con el público en vivo podían ver las reacciones e ir retocando los gags, añadir improvisaciones al guión o eliminar bromas que no provocaban el entusiasmo que ellos creían. Cuando en 1936 Thalberg murió a los 37 años por un infarto, todo lo que aportaba a este grupo de cómicos desapareció con él. No hicieron gira, el productor hacía su trabajo al estilo de un funcionario (era sobrino del señor Mayer. Sí, sí.. el de la Metro Goldwyn Mayer. Además, su ayudante era el yerno de Mayer), la ingénue era la mujer de William Powell y ellos ya no se divertían haciendo cine. Como dejó escrito Groucho: “Nuestra película se ha convertido en un cubo de basura para el estudio (...) Así que ya ves que los únicos participantes en el largometraje que no tienen nada que ver con nadie más que con ellos mismos son los hermanos Marx”


Cuando uno ve la película ve a un Groucho muy profesional, que aparenta las mismas ganas de siempre, pero al que le falta un poco de chispa y de ímpetu para ser el que nos partía en dos de risa con la parte contratante de la primera parte. Chico está ahí porque le toca estar, pero todos ven que preferiría estar en las carreras o jugando a las cartas que rodando una película; lo de tocar el piano con una naranja es ya el acabóse! Y Harpo... bueno, Harpo en su linea de siempre, con su bolso de Mary Poppins de donde saca cualquier cosa y su arpa.

Y allí llega la peor escena del film, la de los indios. Una escena con diálogos absurdos, con indios de pega mal interpretados y más absurdos aún que sus diálogos y, a falta de arpa, un telar le sirve a Harpo para enseñarnos sus dotes musicales. De verdad, si véis la película en DVD o Blu-Ray, saltaros esta escena que no aporta nada, con la foto que sigue ya os podéis hacer una idea.

Toda la trama es un poco liosa, con una escritura de propiedad de unos terrenos que uno le dio a otro, pero que el dueño del salón quiere conseguir para ganar dinero con la construcción del ferrocarril... mal, todo muy mal. Es cierto que el argumento no ha sido nunca esencial para los Marx ya que la base de su cine son los diálogos picados y divertidos, pero entre esto y lo que nos encontramos en ‘Los hermanos Marx en el Oeste’ hay un abismo.

El resto de personajes sigue la linea de los guionistas: Walter Woolf King es el mal malo, torpe, maligno sin motivación y de expresión ausente. Diana Lewis no tiene papel, es solo un espantapájaros ahí plantado para que la corteje el guapo John Carroll, que es más insípido que su personaje, que ya es decir... eso sí, todos hacen unos gorgoritos que son un primor.

Por suerte, está Groucho, que salva muchos momentos con grandes chistes, como cuando dice que no pueden llamar a alguien porque Don Ameche aún no ha inventado el teléfono (Don Ameche había protagonizado un biopic sobre Graham Bell el año anterior) o cuando en mitad de la persecución final suelta “Vaya, acaba de pasar el mejor chiste de la película!”

En algunos de los mejores gags del film se ve la mano de Buster Keaton, que fue, como en la mayoría de películas de los Marx, el guionista en la sombra, pero el estudio no quería que se supiera porque pensaba que afectaría a la reputación de los hermanos. La influencia de Keaton se nota, sobre todo, en los sketckes más recordados del film, el de la diligencia y el del tren (¿os suena ‘El maquinista de la general’?), el de “¡Más madera!¡Es la guerra!” frase que por cierto jamás fue dicha en el original y que fue un invento de los dobladores españoles. En realidad, Groucho se pasaba el rato gritando “¡Jimbo!”



En general, hay que decir que la película es bastante floja. Se podría decir que fue una premonición de lo que estaba por venir, el final de los Hermanos Marx como cineastas e impulsores de un género, el del humor, que les debe mucho, y cuyo estilo inconfundible ha sido imitado infinidad de veces con mejorables resultados.

Claro, que si se compara con esta ‘Los hermanos Marx en el oeste” cualquier cosa le podría dar alcance...

Información de más

  • El personaje de Groucho, S.Quentin Quayle, se pronuncia casi como San Quentin Quail, que es una manera de llamar a las lolitas.
  • Buster Keaton colaboró durante casi toda la carrera de los hermanos Marx como asesor de gags.
  • En el estudio les dijeron que no había presupuesto para incluir un personaje para Margaret Dumont, que siempre les había acompañado.
  • June MacCloy, quizá la actriz con la voz más grave de la historia del cine, se retiró después de interpretar a Lulubelle (una mala suerte de femme fatale) en esta película.


Nota final: 4

14 de mayo de 2015

El viaje más largo... ay, vaya torito, ay torito guapo [Cine]

Películas las hay de muchas clases. De acción, infantiles, comedias, dramas, bélicas, de amor... Centrémonos en éste último grupo, las películas de amor. Podemos subdividirlo en otros tantos géneros: comedia romántica, drama romántico, etc, y a partir de ahora podemos afirmar que las películas 'basadas en una novela de Nicholas Sparks' deben considerarse otro grupo totalmente independiente.

'El viaje más largo' es la última de estas adaptaciones que llega a nuestras pantallas para mostrarnos (una vez más) una edulcoradísima historia de amor.




¿De qué va?

Sophia Danko (Britt Robertson) es una brillante estudiante de la universidad de Carolina del Norte. Ella espera terminar el semestre para poder ir a Nueva York a hacer sus prácticas en una prestigiosa galería de arte. Su vida da un giro inesperado cuando decide acompañar a sus amigas a un rodeo. Allí conoce a Luke Collins (Scott Eastwood), un joven y valiente vaquero con el que entabla una relación. Un día, de vuelta a casa después de una romántica cita, se topan con un coche accidentado en medio de la carretera del que consiguen rescatar con vida al anciano Ira (Alan Alda). Sophia entabla una relación de amistad con Ira, que le acaba contando la historia de su vida, de cómo encontró el amor al lado de su esposa Ruth (Oona Chaplin), al mismo tiempo que su relación con Luke se tambalea debido a que ambos provienen de mundos muy diferentes.




La crítica

El éxito de las novelas de Nicholas Sparks está basado en seguir unas reglas establecidas (por él mismo, suponemos) en el que casi siempre mezcla sus pasiones/obsesiones: amor, pasión, tragedia y/o destino, a las que acaba añadiendo una buena dosis de azúcar a la combinación que acaba dando como resultado novelas extremadamente románticas, que nos hacen sufrir con un amor aparentemente imposible pero que sabemos desde la página 1 que acabará triunfando.


Todas y cada una de las adaptaciones cinematográficas del universo Sparks siguen exactamente los mismos patrones y obviamente 'El viaje más largo' no es una excepción. Primero se nos presenta la historia de amor principal, la de los dos protagonistas, tirando de clichés vistos mil veces. Ella: una guapa, inocente y estudiosa muchacha de ciudad. Él: un valiente, fornido y rudo vaquero. Siguiendo el dicho de "los polos opuestos se atraen" caen rendidos el uno del otro, por mucho que en un principio quieran evitarlo.

Poco después, la historia presentada en pantalla es la secundaria, la del anciano Ira y su mujer Ruth, que al igual que sucedía en 'El diario de Noah' se nos muestra en forma de flashbacks puesto que sucede 70 años antes.



Tanto una como otra se nos quiere vender dos historias de amor intenso. En ambas los protagonistas deben superar obstáculos importantes para que su amor triunfe pero siendo sinceros sólo la historia de Ira y Ruth llega a interesar algo más, siendo sus problemas verdaderamente más serios que no ser simplemente dos personas muy diferentes como lo son Sophia y Luke.

Probablemente estemos ante uno de los problemas más grandes que tiene el film y por ende, casi todas las adaptaciones de Sparks. Las historias principales son tocadas muy superficialmente, sin ahondar en sus verdaderos problemas. De Luke sabemos que ha tenido una lesión importante, que tiene problemas para mantener el rancho donde vive con su madre... y nada más. Al igual sucede con Sophia, que parece dejar de lado su brillante futuro para poder estar al lado del vaquero sin que la decisión le cause problema alguno. Todo marcha sobre ruedas hasta que casi sin venir a cuento todo explota y la pareja se rompe casi sin motivo alguno.



A todo esto tampoco ayuda que la dirección del film le haya sido encomendada a un director tan poco estimulante como George Tillman Jr., cuya película más conocida es 'Hombres de honor' (y que probablemente nadie recuerda a pesar de estar interpretada por Robert De Niro y Charlize Theron). Su planteamiento es totalmente plano, sin arriesgar lo más mínimo, prácticamente conviertiendo la película en un telefilm de sobremesa, a lo que no ayuda lo más mínimo que la duración final del film sea de 128 minutos, exagerado. 



A pesar de todo, en su favor hay que decir que las únicas escenas en las que parece haberse permitido salirse algo de lo preestablecido son aquellas en las que se nos muestran los diferentes rodeos en los que Luke participa. En esos momentos sí que vemos una cierta frescura y elegancia a la hora de rodar las tomas, consiguiendo transmitir la fuerza brutal de los toros y la peligrosidad que se esconde detrás de un rodeo, algo que se agradece y que consigue despertarnos un poco del sopor en el que nos hemos visto envueltos.



Pero si algo destaca de entre tanta mediocridad es su pareja protagonista. Britt Robertson consigue que su papel no acabe siendo el de la típica dama desvalida, aportando algo de personalidad al personaje de Sophia aunque el que sale reforzado con su interpretación es Scott Eastwood (por si no lo habíais supuesto, es hijo de Clint) que atesora una personalidad en pantalla brutal y que a poco que afine sus próximas elecciones será uno de los actores jóvenes a tener más en cuenta en los próximos años.



Tanto el uno como el otro hacen lo que pueden con la historia que tienen entre manos, conscientes de que seguro que no están ante la película más importante de sus carreras pero sí en una que les descubrirá para el gran público. 



La gran virtud y al mismo tiempo el gran defecto de 'El viaje más largo' es que no se permite dejar ningún cabo suelto. El epílogo final de la película sirve de ejemplo, una escena totalmente prescindible e innecesaria para el devenir de la historia pero que sirve para que el espectador más vago salga satisfecho de la sala sabiendo a ciencia cierta que todo ha acabado de la mejor manera posible, algo totalmente lícito pero que viene a remarcar el común denominador tanto de libros como de películas de Nicholas Sparks: nada de riesgos innecesarios.

Información de más
  • Nicholas Spark ha escrito 18 libros y 9 han sido adaptados al cine.
  • Scott Eastwood rodó sus escenas de rodeo en realidad sobre un toro mecánico.
  • Selena Gómez fue considerada para el papel de Sophia pero se dedició buscar a otra actriz que tuviese una apariencia "100% norteamericana".
Nota final: 5